Honest Touch - Independent Music Awards Vox Populi winners

The project Honest Touch from Athens, Greece is among the diverse group of artists from all over the world, chosen as the Independent Music Awards Vox Populi winners. Visitors of the IMAs website were given the opportunity to vote for their favorite album and the project received the highest rates in the New Age category. The IMAs is a program that promotes independent artists, labels and releases to over 11 Million music fans and industry insiders.

Now in its seventh year, this is the first time the IMAs has opened the voting process to include fans and industry voters that were not on the official judging panel, which this year included Peter Gabriel, Wynonna, Suzanne Vega and Ozzy Osbourne among many others. Through press releases and outreaches to fans and industry, thousands have cast their votes at the online Vox Populi Jukebox at the Independent Music Awards site.

In a very personal manner, Fofi Maniadaki and Samy Elgazzar merged the styles of Piano music, New Age music, Pop music and Orchestral music. They refer to their music as a cinematic Pop music or as they call it "Tacit Pop". The project has gained much success and favorable reviews from Europe, USA and Canada. The debut album was nominated among the Album Finalists of the 2007 Independent Music Awards (IMAs) in the New Age category.

One month later, the project received four nominations in the International Online Music Awards (Canada) and won the Best Keyboard Player category. Paul De Micheli of Mondo Blu Radio (Spain) writes: "Beautifully-crafted melodies that would be worthy of a John Williams or indeed Ennio Morricone". Colin Lynch (Canada) states in IOM magazine: "This very gifted and scandalously skilled contemporary classical composer/musician ensemble can move you to the kind of tears you never thought you had". Dan MacIntosh of Indie-music.com (USA) says "Their sound is full-bodied, with a lovely orchestral feel, and you can easily imagine much of it as movie soundtrack music."

Honest Touch's music is characterized by a genuine and emotional color: music that will enrapture the mind and soul of the listener. Be sure to visit the official web site to check the music samples before you pickup your copy of "Memories From A Dream". Stay tuned with Honest Touch, a music that offers a unique sensation.

City warms to global beat

It was truly a cultural melting pot at WOMADelaide yesterday, with scorching temperatures sending festival fans scurrying for shade.

Asian-style umbrellas, Vietnamese hats, trees and tents provided some relief from the sun, with long queues for taps and ice cream stands. But the burst of autumn heat, which reached 36C, failed to scotch revellers' enthusiasm.

"Every time it's really hot, but it's just part of Womad," Emilia Clark, 17, from Victor Harbor, said. "It's a great atmosphere." Sarah Andrews, 25, from Norwood, said it just "makes everyone even more spaced out. As the sun goes down, people spark up".

St John Ambulance volunteers treated 60 people during the day for a range of ailments including blisters, headaches, heat stroke and burns. And there's no excuse for a lazy Sunday today, with a host of events to choose from in Adelaide's month of fun and festivities.

Whether it's swaying to the sounds of world music, feasting on the Fringe or indulging in wine, there's something to please almost all tastes.

Events other than WOMADelaide include:

FRINGE: There are many Fringe events to choose from today, or else just soak up the atmosphere in the Garden of Unearthly Delights in Rundle Park.

CRUSH '07: Formerly the Hills Harvest Festival, the Adelaide Hills wine region comes alive today with the sound of music and the aroma of food.

Grab a map from the Adelaide Hills Visitor Information Centre and a $3 tasting glass at one of the various wineries.

Collaboration with giants of jazz fuels pianist's artistic intensity

As she takes an early afternoon stroll along 125th Street in Harlem, Rachel Nicolazzo tries to find an area free from passing trains and the bustle of nearby shoppers to conduct a phone interview. Perhaps fittingly, the spot she chooses for conversing has led her directly across the street from New York's famed Cotton Club. As has been the case for much of her career, Nicolazzo -- better known to fans and friends as Rachel Z -- seems to find music around every corner.

"I was just trying to avoid the noise," the pianist said. "And look where I am. What a really cool thing."

This week, music -- specifically, the spry piano-trio jazz with which she has toured relentlessly in recent years -- brings her back to Louisville's Jazz Factory, where she has played annually since 2004. But clubs are hardly exclusive performance grounds. Just ask the tens of thousands of fans who saw her playing keyboards in Peter Gabriel's band on successive world tours from 2002 to 2004.

"Just listening to Gabriel sing every night, to hear the beauty, the overtones and the emotions in his voice, was such a thrill," she said. "Playing with Peter was an amazing artistic experience because of that voice."

Playing with giants

Glance over Nicolazzo's dossier and you'll also find collaborations with numerous jazz giants, from the diverse electric ensemble Steps Ahead to fusion all-stars Stanley Clarke and Lenny White to a recording called High Life with veteran saxophonist Wayne Shorter. And then there was a 1993 tour with guitarist Al DiMeola that brought Nicolazzo to Kentucky for the first time -- a Lexington concert at the long-defunct Breeding's on Main Street.

"I totally remember that show," she said. "The audience was over the top. I kept thinking, Lexington, Kentucky, is hip.'"

Of course, when you get caught up recounting tales of Rachel Z the band member, you tend to forget the artistic might and ingenuity of Rachel Z the bandleader. Early solo albums flirted with more pop-friendly jazz forms, but her past six recordings -- put out in rapid succession beginning in 2000 -- have been mostly acoustic piano trio sessions that have arrived at a very different junction between jazz and pop.

On the Milky Way Express (2000) was devoted exclusively to compositions by Shorter, and Moon at the Window (2002) offered jazz treatments of songs by folk-pop-jazz empress Joni Mitchell. But starting with 2003's First Time Ever I Saw Your Face, the worlds of jazz and pop converged. Tunes by Nine Inch Nails, Nirvana and Smashing Pumpkins sat next to such standards as In the Wee Small Hours and Autumn Leaves as well as Rachel Z originals.

Battle of good and evil

Nicolazzo takes the merger even further with her new album Dept. of Good and Evil, which is also the name of her current band. It represents not only the blending of temperaments within her repertoire but the differing musical roles and personalities displayed by her touring trio, which is completed by drummer-producer Bobbie Rae and bassist Maeve Royce. (Trumpeter Erik Naslund and Peter Gabriel-King Crimson bassist Tony Levin also contribute to the recording.)

"When you say 'good' and 'evil,' you're really talking about the paradox of the world. So imagine then you're in the department and you come up to the desk of good and evil. What are you going to ask for in life? Will you ask for good things to happen or will you just represent the evil? So there's a kind of a political element to it all. In the music, I tend to play minor chords. That's why I'm in the department of evil. We joke about it a lot, but the chords are kind of scary. They represent a harmony I really enjoy, one that came out of the late '60s with Herbie Hancock and Wayne Shorter. The department of good has the bass and drums. They're funky, groovy, slinky, sexy -- all the happy things."

New twists to old tunes

Nicolazzo has also designed another repertoire with considerable stylistic variance for the album. Along with two vocal tunes of her own and an original composition by Rae, Dept. of Good and Evil offers jazz revisions of music by Death Cab for Cutie (Soul Meets Body), The Church (Under the Milky Way), Yeah Yeah Yeahs (Maps) and Joy Division (Love Will Tear Us Apart). There are also champion saxophone compositions by Shorter (ESP) and the late Joe Henderson (Inner Urge).

But the best example of at least thematic good and evil comes when the record offers a melancholy update of the Police hit King of Pain before launching into a Dave Brubeck-esque alteration of the popular Flower Duet from the French opera LakmŽ.

"I'm not the listener," Nicolazzo said. "So I'm not necessarily hearing the record as being very diverse. We just made a record that allows for different tunes. Some audiences, for example, may not even be familiar with Love Will Tear Us Apart. While it's a classic in its realm, it's not usually done as a jazz standard. But when we interpret these alternative rock tunes, we're just as focused on the influences of people like Herbie and (pianists) McCoy Tyner and Bill Evans.

"In that way, we feel like we made a very straight-ahead jazz record."
Rachel Z

By Walter Tunis

When: 7:30 and 9:30 p.m. March 14.
Where: The Jazz Factory, 815 W. Market St. in Louisville.
Tickets: $12.50.
Call: (502) 992-3242.
Online:
www.rachelz.com
www.jazzfactory.us

New Angelique Kidjo/Peter Gabriel remix pack available

I was asked to do some singing and try a few things on a lovely track called 'Salala', by Angelique Kidjo. Her record company are now looking for some remixes and I just thought we'd throw it out to see if any of you were interested to try your magic hands on this material" Peter Gabriel

Even if you don't fancy your remixing skills you can take a trip over to the download page and hear the track - The album Dijn Dijn is due out on May 1st.

Details of the pack on the realworldremixed.com competiton page.
More on Angelique Kidjo at Kidjo.com

"Her spirit is irrepressible, and she brings life to everything she touches." - Peter Gabriel

"With DJIN DJIN Angelique Kidjo comes home." The four-time Grammy-nominated, much-celebrated singer, composer, and performer began in the Beninese port village of Cotonou, where she launched her career at the age of six. The political turmoil in her country led her to relocate to Paris, the capital of world music, and then ultimately to New York City, where she now resides.

For DJIN DJIN Angelique has pulled together musicans, along with Peter's contribution the record features: drummer Poogie Bell, known for his work with Erykah Badu and Chaka Khan; funk keyboard wizard Amp Fiddler, whose credits include Prince and George Clinton; Larry Campbell, whose multi-instrumental work has adorned the music of Bob Dylan, Emmylou Harris, and Paul Simon; Senegalese bass giant Habib Faye, a fixture with Youssou N'Dour; guitarists Lionel Loueke, from jazz legend Herbie Hancock's band; Romero Lubambo, a Brazilian wonder whose credits include Diana Krall and Dianne Reeves; Joao Mota, from Guinea-Bissau and kora master Mamadou Diabate.

Talking of Peter's contibution on "Salala" Angelique says:

"He's done so much for African music; in fact, there's something African in his way of singing, moving, and writing his songs"

Click Here To Read The Competition Terms & Conditions

Download The Sample Pack

Visit Angeliqu Kidjo's site for more on the album.

Yasmin brings Ladino to life

For Israeli singer Yasmin Levy, Womadelaide creates an atmosphere of "freedom, love and music" which is unique among festivals. It is her first visit to Australia, but the fifth WOMAD concert Yasmin has appeared at around the world since reviving the lost art of Ladino singing with her 2002 debut album. "There is something very special about WOMAD, because people come with open minds and open hearts," Levy, 31, said in Adelaide yesterday.

She will join more than 300 artists from 20 countries – including Nigerian singer-saxophonist Femi Kuti and Mali's Salif Keita – at Womadelaide in Botanic Park from tonight until Sunday. Yasmin was born in Jerusalem, surrounded by the Ladino songs of the Sephardi people – Jews who lived in Spain until they were exiled in the 15th century.

Her father Yitzhak Levy was a pioneering researcher of Ladino songs, which were passed orally from generation to generation. "He used to go from one Sephardi family to another with a big machine to record anyone who had anything to sing from this tradition," she says. "Then he wrote down the lyrics and the melody and saved those songs from dying, because the people he recorded have now passed away." Her father also died when Yasmin, the youngest of six children, was just a one-year-old.

"I never thought I was going to be a singer – I wanted to be a vet," she says. When she visited Spain at 17, a family friend discovered Levy could sing. It wasn't until she was 22, however, that she began to perform, introducing elements of Spanish flamenco to traditional Ladino songs. "I see myself like a butterfly that goes from one flower to another and gives those songs life," she says.

Tango with a twist

Sometimes it takes three to tango, writes Stephanie Bunbury.

Some of the tango musicians who have come into the studio to record tracks for the Gotan Project have been rather surprised by what they did with them, Christoph Muller says with a grin. "But I think they were agreeably surprised, even if it remained a little mysterious to them what we actually did with what they played. And, maybe, why people liked it."

What Gotan Project does with the sounds of the bandoneon, piano, guitar, a string quartet, clarinet, flute, trumpet and voices - the improbable combination that is the typical tango orchestra - is create music that has become, with almost no fanfare, the international dance downloaders' favourite.

Using programming technology, they lay the musicians' tracks across dance beats that give the familiar glide of tango an irresistible drive.

"Recording is like shooting a film," Muller says. "We end up with a lot of footage that we completely reconstruct."

Muller, an electronic composer who is one third of Gotan's core team, would fit any casting agency's idea of an experimental musician: Swiss, thin and serious, he sits in perfect counterpoint to the group's guitarist and genial paterfamilias, Argentinian Eduardo Makaroff.

We have been talking for nearly an hour when Philippe Cohen Solal, keeping rock'n'roll time, comes in with the sort of flourish he manages to project on stage from behind his keyboard. Somehow, the three of them fit together.

They met in Paris. The world music phenomenon might have come out of London, thanks to Peter Gabriel and the sheer number of South Asian musicians working there, but Muller says Paris is the real melting pot.

He and Cohen Solal began working together in 1995, producing music for commercials and films; salsa was a popular client choice, so they often found themselves South American musicians.

Makaroff was one of them; he had gone to Paris hoping to extend a new-found enthusiasm for traditional tango into something new. "I was looking not only to make acoustic tango," he says, "I wanted to make tango that was modern music. I think I dreamed to put tango again into the hearts and ears of young people who don't know it."

Tango, as Makaroff explains, is a kind of world music in its own right. Famously born in the brothels of Buenos Aires around the turn of the 20th century, its rhythms were set by black musicians hired to entertain the clientele. German sailors brought with them the bandoleon, a kind of accordion with a huge range designed to stand in for an organ in small churches.

Rachel Z Trio bring "Good and Evil" to the Beach

Gig Listing The Bach Dancing & Dynamite Society on Miramar Beach in Half Moon Bay, CA (45 minutes from SF and Silicon Valley) has never shied from experimentation. Thus, Rachel Z was invited to debut her CD Dept of Good and Evil in front of an intimate hip California audience in the SF Bay Area.

The album is really about taking great pop and Goth tunes to another unexpected level," says Rachel. "I loved the Good and Evil concept, which reflects everything going on these days not only in government but also in the music world, where over-hyped projects are often terrible and others which get no hype are great. The grooves are mostly swinging and upbeat and get people feeling positive. Those are balanced by my dark chords, which are influenced harmonically here by the 20th Century classical vibe mastered by Wayne Shorter and Herbie Hancock. I balance these with the occasional pretty melody, but even those have darker colors underneath. It's definitely a cool balance."

Manhattan-born and raised Rachel Nicolazzo (aka Rachel Z) had music practically ingrained in her genetic code. Groomed to follow in her mother's operatic footsteps, she began voice lessons at two, started classical piano lessons at seven and attended the opera by age nine. "My first dollhouse was a Metropolitan Opera House complete with the stage and dolls which were the performers," she recalls. "Then I heard Miles Smiles when I was 15, started rebelling against the classical by improvising, and played with a band that covered Joni Mitchell and Steely Dan songs."

Listening to Herbie Hancock's harmonies over Wayne Shorter’s compositions helped her bridge the gap from her classical training to jazz."The way my jazz chops developed was twofold. I developed acoustic straight ahead and electronic fusion playing equally over time," she says. After launching a quintet called Nardis, she studied with Joanne Brackeen and Richie Beirach.

Rachel Z graduated from the New England Conservatory with a 'Distinction in Performance' award. Her connection to saxophone great Wayne Shorter grew from major influence to full-blown collaborator over the two years she worked on his hit comeback album High Life, for which she built a synthesized orchestral framework to crystallize his musical vision. Rachel Z also played acoustic piano on the album and was musical director for the tour that followed. The CD won a Grammy for Best Contemporary Jazz Album.
Rachel Z bringing “Good and Evil” to the Beach

As fearless in her eclectic, ever evolving approach to jazz piano as she is bold in creating sweeping thematic concepts, Rachel Z has proven masterful over the course of eight solo releases in bridging both generations and genres. Stylishly blending her bebop and progressive jazz sensibilities with an equal affinity for the most exciting pop and rock artists of the past few decades, she's fashioned groundbreaking tributes to the female artists who have inspired her (A Room Of One's Own), saxophone legend and frequent collaborator Wayne Shorter (On The Milkyway Express), Joni Mitchell (Moon At The Window) and-on her most recent three recordings, which include occasional originals and vocals-fascinating re-workings of songs made famous by The Rolling Stones, Soundgarden, Smashing Pumpkins, U2 and Nine Inch Nails, among others.

Declaring to the world, beyond a shadow of a doubt, that "jazz is not dead, it is alive and right here!," Rachel's latest fascinating creative stop Dept. Of Good And Evil finds her in a slightly Goth state of mind, which complements the mix of popular and more obscure pop/rock covers and lyrical and soulful originals penned by her ("Moon And Sun," "Walking On Water," both of which feature her sensuous, romantic vocals) and longtime drummer and collaborator Bobbie Rae (the haunting elegy to the "Saint of New Orleans").

Rachel charts new territory for herself as the leader of the full-fledged ensemble (known collectively as the Dept. of Good And Evil), creating powerful jazzy mood swings on the piano over a shifting array of grooves driven by Rae (who also arranged and produced the project), 22 year old bassist Maeve Royce (making her recording debut here) and the legendary Tony Levin (a longtime Z collaborator who plays electric bass and Chapman Stick guitar parts). Dept. of Good And Evil also includes the emotionally resonant trumpet magic of Erik Naslund. Rachel discovered the talented, highly adaptable Royce, a native of Annapolis, Maryland, as a student in a theory and performance class the pianist teaches at New School University in New York. "She immediately reminded me of Bill Evan's great bassist Scott LaFaro and I love the way she can groove heavily the way Jimmy Garrison did with Coltrane," Rachel says.

The recording grew out of Dept. Of Good And Evil's extensive, 100-date world tour throughout 2006, a jaunt which took them everywhere from venues in Switzerland to stops in the Midwest, Pearl's in San Francisco, The Jazz Standard in NYC, the Blue Note in Milan and the Rochester Jazz Festival in New York. Rachel decided to formalize her band with a new name when she realized the level of collaboration that was happening when the ensemble was together.

Dept. Of Good And Evil draws from a unique mix of pop, alternative and Goth songs from well and lesser-known bands in creating tracks that carry on Rachel's tradition of redefining the songs she loves for a hip, adventurous audience of all ages and generations. Many of the tracks are, like the best jazz and classical movement, multi-movement in nature, with shifting moods and parts that come unexpectedly; Rachel and Rae like to think of the tracks as "suites" that transport the listener to different places over the course of a few minutes.

Listening to Herbie Hancock's harmonies over Wayne Shorter's compositions helped her bridge the gap from her classical training to jazz. After launching a quintet called Nardis, she studied with Joanne Brackeen and Richie Beirach and began hanging out at the Vanguard where she saw masters like Dexter Gordon and Bill Evans. Z graduated from New England Conservatory with a "Distinction in Performance" award while working professionally in the Boston area with performers like Bob Moses, Miroslav Vitous, and George Garzone.

Returning home to New York in 1988, she toured with New England Conservatory schoolmate turned rhythm and jazz superstar saxman Najee and later co-wrote the title track for his #1 Billboard album Tokyo Blue. While performing and recording steadily with the classic fusion band Steps Ahead from 1988 through 1996, she also worked with Al Di Meola, Larry Coryell, Special EFX and Angela Bofill, and began a fruitful association with producer/vibraphonist Mike Mainieri, head of NYC Records. Mainieri produced her Columbia Records debut Trust the Universe in 1993.

1996 saw the release of her NYC Records debut A Room of One's Own, which she dedicated to the many women artists who have played an influential role in her life. Among the many inspirations Z celebrated were contemporary dancer Judith Jameson, African-American novelist Zora Neal Hurston and Billie Holliday. A throwback to the days when jazz musicians would travel 350 days a year, the constantly gigging Z toured for this recording with bassist Tracy Wormworth and drummer Cindy Blackman. Her love for art of all kinds has also led Z to embrace the worlds of fashion design, fashion photography, and theatrical performance art.

In a radical departure from that strictly acoustic direction, Rachel took a memorable turn into the electric driven smooth jazz realm in 1998 with her acclaimed hip-hop/ electronica influenced offering for GRP Records, Love Is The Power. That same year she also played and programmed synths for Al Di Meola's album The Infinite Dream, and in 1999 she joined Vertu, a fusion supergroup formed by Stanley Clarke and his Return Forever bandmate, drummer Lenny White; she appeared on the band's 1999 self-titled debut for Epic Records.

Since 2000, Rachel has established with each successive album a foothold in the realm of modern jazz artists discovering fresh new ways to interpret classic standards in their own realm, as well as those by classic pop singer/songwriters and edgy modern rockers. She launched this period with her acclaimed piano trio outing On The Milkyway Express: A Tribute to the Music of Wayne Shorter, her debut on Tone Center Records, then followed in 2002 with Moon At The Window, her tribute to the songwriting artistry of Joni Mitchell.

While touring around the globe from 2002-2004 with pop/rock legend Peter Gabriel-which included a 2003 South African stint and a gala performance for Nelson Mandela-Rachel recorded and released First Time Ever I Saw Your Face (2003) for a Japanese label, Everlasting (featuring Tony Levin on bass) for Tone Center (2004) and Grace (2005) for Chesky, which featured five original vocal tunes performed by Rachel.

"I just love the process of finding new songs that excite me and working with new musicians that give me that fresh light and inspiration from time to time," says Rachel. "Dept of Good and Evil is the best of everything for me, exciting material to work with, and an incredible ensemble of players which I just love vibing with. We'll probably expand more into groove-oriented music in the future, but the fun is never knowing what the next great thing is going to be. What I love most about the band is that we can play a whole night of jazz standards and then turn around the next and do a strictly rock and groove thing. It's going to be exciting to see how it progresses from here."

Written by: Michael Bloom Media Relations

Daby Touré, deux en un

Stereo Spirit, c’est ainsi que Daby Touré a baptisé son nouvel opus comme une allégorie de sa propre vie. Fils de l’Afrique, grandi entre Mauritanie et Sénégal, et enfant du monde moderne, il est le griot de ses propres humeurs et élans qu’il couche avec délicatesse et talent sur des musiques aux arrangements "pop". Rencontre.

Daby Touré sera l'invité de l'émission Musiques du monde le mardi 27 mars : + d'info

Un passé chargé. Un père médecin et musicien qui ne souhaite pas que son fils le devienne. Une enfance tout en aller-retour entre le désert mauritanien et la Casamance, au sud du Sénégal. Un passage à l’âge adulte marqué par une transplantation sur le sol français, quand son père Hamidou Touré, rejoint ses frères Sixu et Ismaël au sein des déjà légendaires Touré Kunda. Voilà en quelques phrases, le profil de ce musicien "fils de", qui a su se faire un prénom, trouver son propre son.

"Je suis né en plein désert, confie Daby Touré, mais c’est réellement à Djéole, en Casamance, au contact des cultures soninké, toucouleur et wolof que s’est forgée ma personnalité. A l’adolescence, je suis revenu à Nouakchott avant de m’envoler en 1989 pour la France avec mon père" relate Daby Touré avant de tracer une sorte d’itinéraire bis, plus musical. "Très jeune, j’ai baigné dans un environnement traditionnel, bercé par les instruments de mes ancêtres. Ce n’est qu’à l’adolescence que j’ai été attiré par la guitare et que j’ai commencé à m’intéresser aux autres musiques. Mais le véritable déclencheur a été mon arrivée en France. C’est là que j’ai pu commencer à jouer avec des musiciens d’autres cultures".

Laddé, un premier album enregistré avec son cousin Omar sous le nom de Touré Touré sort en 1999. Convaincu qu’il n’avancera bien que seul aux commandes, Daby s’enferme dans sa chambre et compose, arrange et fignole sur son home-studio le squelette de Diam, un premier solo signé par Realworld, le label de Peter Gabriel, en 2004. Les fondations sont déjà profondément ancrées en terre pop.

Un bon traitement

"Depuis, je n’ai pas arrêté de composer, explique Daby Touré. De manière spontanée, serai-je tenté d’ajouter. Même si j’ai parfois prévu des choses, anticipé des constructions, je les ai souvent modifiées. C’est en fait un album assez spontané où les couleurs se sont imposées d’elle-même comme par évidence. Simplement. Parce qu’elle me faisait du bien. En cela, je peux dire que la musique est une thérapie pour moi" précise celui qui affirme avoir besoin de cela pour vivre. "En fait, la musique me permet d’unifier ou plutôt de mettre en relation, de faire le pont entre les différentes cultures qui sont les miennes. Stereo Spirit, reflète tout à fait cela".

Effectivement, la douzaine de plages de ce nouvel album tisse des liens entre son héritage culturel pastoral et son quotidien, son urbanité actuelle. "J’ai réalisé lors d’une tournée aux Etats-Unis, que je pouvais aussi bien vivre à New York qu’à Paris ou dans mon village en Afrique, que j’étais à l’aise dans tous ses pays, dans toutes ses cultures. Sentiment que je ressens exactement de la même manière lorsque que je rentre en Mauritanie ou au Sénégal. Je suis bien partout en fait… " avoue ce "terrien qui n’a pas peur d’évoluer" comme il se définit lui-même.

"Tout resserrer sur moi…"

Auteur, compositeur, arrangeur et réalisateur de ce Stereo Spirit, Daby Touré a choisi d’occuper tous les postes clés dans la conception de cet album. "J’espère avoir été au plus loin de ce que je pouvais. J’ai travaillé plusieurs années comme musicien au sein de formations. J’ai aussi bossé en duo avec mon cousin (Omar Touré avec qui il forme les Touré Touré - NDR), je sais par expérience que si je veux pouvoir affirmer mon son, j’ai besoin de tout faire. A l’époque des Stones ou des Beatles, les groupes étaient fixes sur plusieurs années. Les musiciens s’y consacraient pleinement. Un groupe avait de fait, le temps et les moyens de parvenir à une certaine maturité, à une certaine maîtrise du son.

Je n’ai jamais eu ce temps, jamais eu la possibilité de pousser à plusieurs cette recherche de cohérence, ce travail de laboratoire. C’est pourquoi j’ai décidé de tout resserrer sur moi" confie-t-il avant de revenir sur le rôle tenu par Bob Coke qui l’a conseillé, assisté dans la réalisation de cet album. "Bob est un grand producteur qui a, par exemple travaillé sur le premier Ben Harper. Il m’a apporté plus de maturité et d’expérience ainsi qu’une certaine assurance et une oreille que je n’avais pas. C‘est comme un recul indispensable, une distance nécessaire avec ce que tu crées" analyse le créateur et ultime décideur sur cet album.

Un optimiste pratiquant…

Si Daby est le seul maître à bord de son Stereo Spirit, cet album n’est en rien égocentré. "Mes chansons parlent des enfants, de l’affection qu’ils sont en droit de recevoir, de l’amour entre les êtres humains et des relations complexes qu’ils entretiennent. Ce sont des histoires vécues directement ou indirectement, des histoires différentes les unes des autres" résume Daby Touré. "C’est un album optimiste. De toute façon, on n’a pas le choix, on doit le rester. Parfois, je lis dans un regard tant de beauté et de sincérité que je me dis que j’ai bien fait d’y croire."

Daby Touré Stereo Spirit. (Realworld/V irgin/EMI) 2007 Le 20 mars à la Cigale à Paris

Daby Touré sera l'invité de l'émission Musiques du monde le mardi 27 mars : + d'info

Womad summer school 2007

Bath Spa University, Bath, United Kingdom

The WOMAD Foundation is delighted to bring the spirit of WOMAD to Bath Spa University in presenting the first-ever WOMAD Summer School.

If you love WOMAD, this is a week-long opportunity to deepen your musical experience and extend an area of play and practice, whilst celebrating the richness and diversity of music from around the world. Immerse yourselves in music, voice and dance master classes, ensemble tuition, ‘in conversation’ sessions, workshops in vocal technique, performances and much more.

WHAT IS INVOLVED?

The following outlines what you will be doing each day. More specific details will be available on the 'Line-Up' page in the coming weeks.

8am-9am: Breakfast.

10am-12.30pm: Core sessions in your chosen week-long workshop.

12.30pm-1.30pm: Lunch.

2pm-3.45pm: Open workshops - students can choose to attend any workshop they fancy.

4pm-5.30pm: Collaborations, rehearsals, one-to-one sessions, talks, discussions.

8pm onwards: Concerts, informal performances, films, Q&A sessions, DJs.

Activities for kids

We’ll be offering a host of fun things for younger family members in arts, crafts and dance workshops. These will be led every day by artists from our experienced child-friendly WOMAD workshop team.

WORKSHOPS, ARTISTS & TUTORS

You can choose one of the following week-long workshops:

Billy Cobham Drum Academy
Dance Roots
Guitar Connections
Patterns Of Percussion
Singer Songwriters
Striking A Chord

We are assembling an impressive line-up of artists from Zimbabwe, USA, Brazil, Cambodia, Cameroon, UK and Colombia, all of whom are both brilliant in performance as well as highly experienced in education and tuition.

We have already announced details of some of the sessions - please click on "Line-Up' on the green bar above for details. More artists will be announced over the coming weeks, please check back here or www.igf.org.uk for updates.

TICKETS

Tickets are now on sale! Click on 'Tickets' on the green bar above for more details.




The WOMAD Foundation is a registered educational charity, established in 1983, which provides a wider and more formal context for WOMAD’s festival based activity. The Foundation’s principle mandate is to: ‘promote, maintain, improve and advance education in world cultures, whilst seeking to excite and inform audiences of the worth and potential of a culturally diverse society.’

WOMAD Summer School is promoted and managed in partnership with IGF and Bath Spa University.
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WOMAD, Caceres

Festival fun: Where to go to party in 2007

Nothing – not even the neighbours – stands in the way of the Spaniard’s desire to party, as Sarah Morris reports...

WOMAD, Caceres

There are now WOMAD festivals all over the world. Musician Peter Gabriel started the festivals to unite cultures through music. This one in Caceres started in 1982 and is still a hit, despite the emergence of WOMAD in Madrid. This year, Spanish performers Antonio Carmona and Maria del Mar Bonet are reportedly signed, as well as South Africa’s Ladysmith Black Mambazo. (9-12 May, http://www.bme.es/womad/)

Watch an eclipse of the moon tonight!

"If the clouds stay away, it will be fascinating to watch the Moon's graceful movement through the shadow of the Earth," said Robin Scagell, from the Society for Popular Astronomy.

The eclipse began at 2018 GMT, with the Moon totally immersed in the shadow of the Earth between 2244 and 2358 GMT.

The eclipse is visible from the whole of Europe, Africa, South America, and eastern parts of the US and Canada.

Story in full from BBC News

Peter's March Update

3-Mar-2007 Peter's March Update.

This update brings talk of an emptier, more 'stripped-back' approach to audio in his current studio work, birthday gifts and high praise for the meastro of the upright bass Danny Thompson.

Talk of Danny gives us the opportunity to pull out a clip of him performing with The Blind Boys of Alabama as part of the very special line-up they put together for the "Spirit Of The Century' tour in 2001. The track featured is "Run On" and showcases lead vocals from the now sadly deceased and much missed a founding member George Scott along with other guest luminaries, blues guitarist John Hammond and drummer Michael Jerome

This update also features 'Setal' from Daby Touré's new CD "Stereo Spirit' - Daby say's of the track, it's "A song about the mystery of the beautiful world in which we live. Look at the universe, the sky, the animals, the plants, we have all this to be happy for." - so it's a fitting addition as spring begins to show itself around the studios"

Watch Peter's Update in The Full Moon Club video section
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Josh Groban, Bruxelles

Salle: Cirque Royal, Bruxelles

Site web: http://www.joshgroban.com

Tour name: Tour 2007

Né à Los Angeles en 1981, Josh Groban connait aujourd'hui un succès incroyable. Tout a commencé en 1998, lorsque du haut de ses 17 ans, il fut repéré par le fameux producteur David Foster. Le jeune chanteur dont les modèles sont Sting, Paul Simon et Peter Gabriel se voit très vite proposer un contrat chez Warner. C'est avec l'album Closer sur lequel figure le tube You Raise Me Up qu'il obtient un succès retentissant (plus de 13 millions de copies vendues de par le monde). Il apparait alors aux côtés des plus grandes personnalités musicales (Céline Dion, Barbra Streisand,…) et joue parallèlement dans plusieurs épisodes d’Ally McBeal. Porté par ce succès amplement mérité, Josh nous livre aujourd'hui un troisième album Awake, sur lequel on retrouve entre autre Ladysmith Black Mambazo, Dave Matthews et Herbie Hancock. Fidèle à son habitude, il y mélange avec brio les langues (espagnol, italien et anglais) et les genres (pop, rock ou classique). Josh Groban sera pour la première fois en concert en Belgique le samedi 2 juin prochain sur la scène du Cirque Royal. Attention talent !

KOCH Records Announces Partnership With The Machat Company to Relaunch WOMAD Records

WOMAD 25th Anniversary Compilation on Deck

KOCH Records and The Machat Company announce a new partnership to release new artist albums and compilations through the WOMAD Festival.

The Machat Company, which specializes in World and Spiritual Music, is owned by Steven Machat, a visionary and music industry veteran. Machat founded WOMAD, the acclaimed world music label with Peter Gabriel and Thomas Brooman 25 years ago. WOMAD (which stands for World of Music, Arts and Dance) brings together and celebrates many forms of music, arts and dance drawn from countries and cultures all over the world. Many of these upcoming releases with fall under the Namaste/KOCH Records imprint.

With a live recording archive spanning 25 years and over 145 events, WOMAD has captured hundreds of now-legendary performances by globally celebrated artists from all continents and representing a kaleidoscope of the world's cultures and musical traditions. The first compilation release by Namaste and KOCH will be "WOMAD 25" a collection of the most memorable moments of the first 25 years. Following later in summer of 2007 will be "WOMAD 2007" featuring many of the artists performing in this year's festivals, including Amaan Ali Khan and Ayaan Ali Khan.

The first release will be The Khans' new album, "Truth" and will be available online and in stores on March 13. Amaan and Ayaan Khan use their mastery of traditional Indian music as a jumping off point for a musical exploration mixing elements of worldbeat and global electronic flavors. The brothers have taken classical Indian music and have made it electric.

The alliance between Namaste and KOCH will also focus on Sound Healing Music and other forms of music for body, mind and spirit. Also being released on March 13 is "The Crystal Singing Bowls Collection of Crystal Tones," featuring many of the leading artists in the field of sound healing, including Steven Halpern, Jonathan Goldman, Dr. Michell Gaynor, Patrick Duff and Life In Balance.

About KOCH Records

KOCH Records is a division of KOCH Entertainment, the fastest-growing music company and the market leader among independents in North America. The KOCH Entertainment corporate umbrella encompasses the KOCH Records label, KOCH Vision home video, KOCH Music Publishing and KOCH Entertainment Distribution with operations in both the U.S. and Canada. KOCH Records proudly claims the largest number of Billboard charting albums among independents for each of the last six years (2001-2006). For additional info on the KOCH Records label and its roster of artists, please visit www.kochrecords.com

One shot not le programme du 13 avril

Manu Katché invite Bryan Ferry et Air à faire un boeuf sur ARTE !

Un live événement accompagné d’un making of qui dévoile toutes les étapes de cette rencontre musicale exceptionnelle.

Manu Katché, musicien de notoriété internationale, compagnon de route des plus grands, devient pour un soir l’instigateur, l’acteur, le démiurge et la « rythmique » d’un concert unique, enregistré en public réunissant, complices, de grands noms du jazz et de la pop.

Issus de « tribus » musicales très différentes, Bryan Ferry et Air sont les premiers invités de cette émission musicale d’un nouveau genre, mariant des styles et des univers qui ne s’étaient jusqu’ici encore jamais rencontrés.

Parallèlement au concert, Manu Katché, One shot not propose un « récit » des jours qui ont précédé l’enregistrement : coups de téléphone, rendez-vous, répétitions, repas, séances de travail…

À mille lieues d’un bonus ordinaire, une véritable plongée dans un milieu professionnel, avec son langage, ses codes, au plus près de l’élaboration musicale.

interview de Brian Ferry

Manu Katché, One shot not

Le Vendredi 13 avril 2007 à 22h15 sur Arte

Formation classique, Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, à l’origine le musicien Manu Katché est promis à la noble carrière de percussionniste au sein d’un orchestre symphonique. Probablement est-ce là l’une des causes du « son Katché » qui fait que son coup de baguette est reconnu entre mille par les mélomanes avertis. Un coup de baguette qui va le détourner du classique pour le mener au jazz puis au pop-rock. Très vite on le retrouve, musicien de scène et de studio, aux côtés des grands Français : Goldman, Souchon, Chedid, Catherine Lara, Michel Jonasz… mais il doit l’explosion de sa carrière à Peter Gabriel qui lui demande de tenir la batterie pour l’album « So ».

Immédiatement, le son très particuliers de ses drums le fait repérer par les stars du pop-rock et lui ouvre les portes des studios et grands scènes internationales. Ainsi va-t-il enregistrer pour Joni Mitchell, Sting, Dire Straits, Tears for Fears, The Christians, Robbie Robertson, Joan Armatrading, Paul Young, Tracy Chapman, Youssou N’Dour, Pino Danielle, Simple Minds, Joe Satriani, Richard Wright… sans bouder pour autant ses camarades francophones puisqu’il retrouve entre deux Véronique Sanson, Francis Cabrel, Laurent Voulzy, Stephan Eicher, Michel Petrucciani...

Côté reconnaissance officielle, les choses vont bon train : première Victoire de la Musique pour « Meilleurs arrangements » en 86, seconde Victoire en 87 au titre de « Meilleur musicien de studio » ; sacré « Best coming up drummer of the year » la même année par « Modern Drummer », il engrange sa troisième Victoire de la Musique en 1996 pour la B.O. du film « Un Indien dans la ville ». En 96, c’est le Drum Festival de Montréal qui lui décerne un award, puis en 2004 c’est au tour de notre Ministre de la Culture de l’inscrire à l’ordre de Chevalier des Arts et Lettres… En dernier lieu sa création musicale pour le Musée Grévin et bientôt son effigie en cire confirme la notoriété de l’authentique personnage qu’est Manu Katché.

Salué, récompensé, autant comme musicien exceptionnel que compositeur de talent, il ne renonce jamais pour autant à ses premières amours : le jazz. En témoigne la création de son groupe « Manu Katché Tendances » avec lequel il entreprend des tournées internationales, son appétit pour le « jazz nordique » du saxophoniste norvégien Jan Garbarek et son tout dernier album, "Neighbourhood", édité chez la mythique maison de disques de Manfred Eicher : ECM Records.

Peter Gabriel : « Je prépare un Internet pour les singes »

Personnalité fantasque, le musicien Peter Gabriel multiplie les projets délirants sans écarter l'idée de rejouer avec Genesis.

Le quatrième train à grande vitesse depuis une heure se fait entendre comme un coup de tonnerre au milieu des bâtiments de pierre qui composent le quartier général et les studios de Real Word à Wiltshire, dans le sud de l'Angleterre. Et il devient de plus en plus évident que Peter Gabriel est en retard. Très en retard. Rien de vraiment étonnant à cela tant son agenda est réputé pour être toujours très chargé.

Lorsque ses vieux amis de Genesis lui ont récemment proposé de les rejoindre pour une reformation du groupe d'origine en vue d'une tournée en 2007, il a expliqué qu'il ne serait pas en mesure de les satisfaire avant 2008... « Je comprends que Phil (Collins), Mike (Rutherford) et Tony (Banks) soient en train de répéter s'ils souhaitent effectuer quelques dates cette année, mais je ne me joindrai pas à eux car je suis très excité à l'idée de terminer ce que je fais en ce moment » .

Depuis qu'il est apparu affublé de costumes étranges au début des années 70 comme chanteur de Genesis, Peter Gabriel a toujours su jouer de manière brillante et déroutante avec son image et la perception que l'on pouvait avoir de lui.

De ses premières cavalcades sur scène, déguisé en fleur, à ses initiatives pour convaincre la scène rock mondiale de protester contre l'apartheid sud-africain en passant par la création de Womad (World of Music Art and Dance) afin de repousser les frontières du clip vidéo avec Sledgehammer. Sans oublier ses collaborations avec Kate Bush et Sinead O'Connor jouant avec une bande de singes ou encore sa parfaite incarnation de premier de la classe « high-tech », et ses amours avec les plus belles femmes du monde comme l'actrice Rosanna Arquette ou le mannequin Marie Helvin. Pour ne citer que quelques surprises que Peter Gabriel nous a réservées depuis trente ans. Ou comment transformer en art, avec élégance, un comportement parfois contradictoire.

Il est également l'une des rares rock stars, de niveau planétaire, à avoir su faire quelque chose d'intéressant avec l'argent gagné grâce à ses disques. Les studios de Real World ayant été montés à la fin des années 80 avec les recettes de « So », son album qui a eu le plus de succès à ce jour. Alors que j'attends patiemment son propriétaire, Real World héberge deux sessions d'enregistrement différentes : le groupe Stéréophonics et Neil Finn...

Peter Gabriel apparaît enfin, marmonnant quelques excuses d'une voix étonnamment éraillée pour quelqu'un qui n'a jamais fumé de sa vie. Sa silhouette dodue, habillée d'une tenue noire très ample, son bouc devenu blanc et son large sourire lui donnent l'apparence d'un Père Noël qui aurait laissé de côté son costume officiel. Il insiste alors pour nous emmener à la cafétéria de Real World. Alors que nous nous asseyons pour parler tout en déjeunant, un autre train passe à proximité, à plus de 200 km/h, faisant vibrer les fenêtres et troublant la tranquillité des lieux.

01net. : Peter, quel est votre rapport avec les trains ?

Peter Gabriel : J'aime bien les trains car le flux de mes idées est beaucoup plus coulant lorsque je suis en mouvement. J'ai eu l'idée de Womad dans le train qui relie Londres à Bath. Ma théorie est qu'en tant qu'humains nous avons une mémoire instinctive que nous utilisons pour voir des choses qui bougent très rapidement et que nous utilisons mentalement ensuite pour créer.

C'est pour cette raison que Real World est situé à seulement quelques dizaines de mètres d'une voie ferrée ?

Ah ! non. Cet endroit est le seul entouré d'eau que j'ai pu trouver parce que j'aime bien cela. Mais les travaux d'isolation acoustique coûtent, en général, très cher et, seuls, deux des bâtiments sont complètement insonorisés. Sur beaucoup d'enregistrements effectués ici, vous pouvez entendre la contribution du Great Western Railway !

A quoi cela ressemblait de jouer dans un groupe à la Chaterhouse School à la fin des années 60 ?

Je n'y étais pas vraiment encouragé mais je faisais partie de trois groupes en fait. Avec Tony Banks dans The Garden Wall, un nom terrible, mais aussi à la batterie dans un groupe soul appelé The Spoken Word et enfin dans une sorte de jazz-band. J'étais un batteur épouvantable mais j'étais très enthousiaste. Keith Moon [le batteur de The Who, ndlr] était mon idole. Un jour, j'ai fait un rêve où j'avais le choix entre devenir fermier ou musicien, chanteur plus précisément, et même si la batterie était mon premier centre d'intérêt. C'est comme cela que j'ai commencé à chanter.

Vous étiez hippie à cette époque ?

J'étais fait pour ça plus que quiconque... Les autres étaient plus dans l'esprit British Blues de l'époque. Mais je n'ai jamais vraiment aimé les drogues. A cette époque je faisais déjà suffisamment de rêves, assez intenses, pour ne pas, en plus, appuyer sur l'accélérateur ! La seule drogue qui aurait pu m'intéresser est le LSD mais, je n'en ai jamais pris car je ne souhaitais pas perdre le contrôle de moi-même. Je trouvais mes rêves suffisamment effrayants.

Pourquoi le Genesis des débuts était aussi théâtral ?

C'était en partie nécessaire. Nous avions trois guitares douze cordes... et pas d'accordeurs électroniques à cette époque. Alors après chaque morceau, il fallait réaccorder les guitares et il y avait un très long silence pendant lequel tout le monde regardait le chanteur.

J'ai fini par raconter des histoires et les costumes étaient un moyen très simple de les illustrer. La première fois que je me suis déguisé sur scène c'était pour « Foxtrot ». J'ai mis un masque de renard et une tenue rouge que j'avais empruntée à ma femme Jill. C'était vraiment un choc car, en 1972, les gens n'étaient pas encore habitués à voir un homme en robe.

Et votre déguisement de fleur ?

L'idée venait du mythe de Narcisse se transformant en fleur et l'apparence était inspirée du personnage de Weed dans The Flowerpot Men Cune série télé anglaise pour enfants des années 50, ndlr]. Ce costume était vraiment très étonnant et avait une vraie portée dans l'esprit du public. David Bowie et Alice Cooper étaient les deux seules autres personnes à faire ce genre de choses à l'époque. Cela permettait au public de s'évader un peu.

Quand vous avez plongé de la scène vers le public, ils ont dû être surpris. Personne n'avait fait cela auparavant ?

Iggy Pop avait déjà sauté dans le public une ou deux fois, mais il n'avait jamais vraiment plongé... Tout ce que j'ai fait est de me mettre dos à la salle et de me laisser tomber. J'ai toujours été intéressé par le fait de jouer avec la distance qu'il peut y avoir entre le public et l'artiste. Alors que tout devenait de plus en plus organisé dans les spectacles au cour des années 80, cela me permettait d'y réintroduire une part de risques et d'imprévus.

J'en ai eu l'idée après avoir rencontré un type qui avait inspiré une série d'exercices psychologiques qu'il appelait New Games ... C'est très californien. En tout cas, celui-ci était un véritable exercice : si vous faites confiance aux gens, vous êtes détendu et ils vous rattrapent. Si vous n'êtes pas relax, ils vous évitent. La seule fois où le public m'a laissé tomber c'était, très étrangement, à San Francisco !

Que pensez-vous aujourd'hui de « Sledgehammer », la chanson qui vous a fait parvenir au rang de pop-star dans les années 80 ?

C'est un raccourci mais je l'aime bien. J'essayais alors de trouver ma voix dans le style soul music. Otis Redding était mon héros sur le plan vocal, mais je ne voulais pas en faire une pale imitation. C'est une chanson qui parle de sexe. J'avais écouté beaucoup de vieux disques de blues dont les paroles ont très souvent une double signification. Et pour le clip vidéo, j'étais décidé à créer quelque chose de suffisamment rapide et changeant pour fixer l'attention.

A la lumière de vos différents engagements pour la musique et les problèmes de l'Afrique, pourquoi n'avez-vous pas participé au Live Aid ?

On ne me l'a pas demandé ! Mais j'y aurais participé si cela avait été le cas. Bob Geldof [co-organisateur du Live Aid, ndlr] souhaitait un maximum d'effets et de retours grâce aux artistes qu'il avait sur sa liste. Lorsqu'il a eu l'accord de Phil (Collins), il a tout simplement pensé réunir l'ensemble des fans de Genesis. Je n'ai pas eu le droit à mon conte de fées...

C'est ce qui est à l'origine de votre prise de bec avec Bob Geldof au sujet de l'exclusion de musiciens africains pour les principaux concerts du Live 8 ? [A l'occasion d'une série de concerts humanitaires organisés dans les pays du G8 à l'occasion du 20e anniversaire du Live Aid, Peter Gabriel avait critiqué la décision de Bob Geldof de ne retenir, principalement, que les artistes pop les plus célèbres et... blancs, ndlr]

C'est sans rapport... Et ce n'était pas une prise de bec, il a juste pris les choses un peu trop personnellement. Le fait est qu'il travaille très dur sur ce genre d'événements et comme dirait Sting « Jamais aucun acte de bonté ou de charité ne reste impuni ». Son principal objectif était que le monde entier soit devant la télévision et ce n'est possible qu'avec de grands noms.

Je comprends son point de vue mais je le désapprouve. Pour les concerts en faveur de Nelson Mandela en 1988 et 1990, il y avait un très bon mix de musiciens africains et les téléspectateurs n'ont pas zappé pour autant. Live 8, c'était un peu comme si on préparait une fête pour quelqu'un sans l'inviter. C'est pourquoi, nous avons organisé quelque chose dans le cadre de l'Eden Project. Nous souhaitions créer un espace où l'Afrique était partie prenante sur le plan musical.

Parlons un peu de vos autres centres d'intérêt. Qu'est ce que l'Experience Theme Park que vous avez imaginée avec Brian Eno à la fin des années 80 ?

C'était conçu comme une alternative à Disney World mais avec des productions de films, des maisons de disques et des éditeurs indépendants. Toutes ces cultures alternatives que l'on ne voit jamais dans les parcs d'attractions. Le but était de rassembler des scientifiques et des artistes afin de créer de nouvelles expériences multiculturelles, susceptibles de simuler la vie, de la naissance à la mort. C'était à mi-chemin entre le monde réel et virtuel.

Laurie Anderson, par exemple, était intéressée par l'idée de domestiquer la nature avec des moyens artistiques. Nous avions aussi un artiste qui travaillait sur les tornades. Nous envisagions d'en installer à différents points du parc en récréant ce type de phénomènes naturels dans de grands cubes de verre.

Rien n'est ressorti de tout cela ?

Non... La ville de Barcelone était la seule suffisamment folle pour nous prendre au sérieux. Ils nous ont offert un site mais nous n'avons pas pu rassembler l'argent nécessaire. Mais nous avons vécu de très belles réunions de brain-storming... C'est de là que vient le nom « Real World ». Nous avons essayé de convaincre les responsables du Millenium Dome à Londres, mais ils n'avaient pas vraiment confiance dans les artistes. Je continue de penser qu'il y a un marché pour cela.

Plus récemment, j'ai entendu dire que vous exploriez la créativité des singes ?

Au départ, j'ai été fasciné par l'idée que ces animaux, que nous conduisons au bord de l'extinction, soient capables de maîtriser notre langage sous forme de signes et de symboles, comme l'ont découvert des chercheurs en Californie. Lorsqu'une femelle gorille est attristée et contrariée en voyant les images des attentats du 11 septembre 2001 à New York, elle est en mesure de le leur dire avec des signes.

Je m'y suis rendu cinq ou six fois et j'ai vu des singes bonobos improviser de la musique avec des percussions et de claviers. Tous les musiciens auxquels j'ai montré ces enregistrements sont vraiment étonnés car on peut y voir et entendre ces singes rechercher les notes de manière intelligente et musicale. Ils ont grandi au milieu de radios et postes de télévision, donc ils y sont préparés.

Est-ce que cela conduit à quelque chose ?

J'ai essayé de créer un Internet pour les singes, que nous prévoyons d'étendre à d'autres espèces sous le nom d' Animal Nation . Nous travaillons sur un moteur de recherche qui utilise des images. Je pense que cela pourrait être fascinant de voir des animaux explorer le Web pour peu qu'ils aient les bons outils pour cela. Et découvrir ce qui les intéresse.

Vous avez été l'un des premiers à vous lancer dans la vente de musique en ligne. Votre société, OD2, a-t-elle gagné de l'argent ?

Oui ! C'est d'ailleurs l'un de mes rares investissements à succès. Nous avions une ou deux années d'avance sur Apple mais lorsqu'ils sont arrivés, ils avaient, bien entendu, pour eux leur puissance marketing et un logiciel très sexy. Quand iTunes est arrivé, mes partenaires de OD2 ont voulu vendre. C'est la propriété de Nokia à présent. J'étais très excité à l'idée d'être en première ligne au niveau technologique et j'ai toujours aimé jouer.

Pourquoi vous embêtez-vous encore à prendre des risques dans les affaires ?

Je tiens ça très probablement de mon père. Il est dans sa 90e année maintenant, mais il a travaillé comme ingénieur pour Rediffusion [l'une des plus anciennes sociétés de diffusion audiovisuelle anglaise, ndlr]. Il avait toujours des idées très futuristes. Il y a peu de temps, j'ai pris connaissance des brevets dont il a été à l'origine. Il y en a plus d'une trentaine qui n'a jamais été exploitée. Il a, par exemple, inventé ce que nous connaissons maintenant comme la télévision payante, largement utilisée sur les chaînes câblées américaines. Mais à l'époque Rediffusion pensait « Pourquoi les gens paieraient-ils quelque chose qu'ils peuvent avoir gratuitement ». Je suis un peu plus obstiné que mon père...

J'ai été surpris que la Fifa ait fait appel à vous pour travailler sur la cérémonie d'ouverture de la Coupe du monde 2006. Je ne vous savais pas fan de football ?

Je ne l'étais pas, mais j'ai commencé à m'y intéresser ces dix dernières années. Je suis maintenant un supporter de Liverpool. Lorsqu'ils n'étaient pas au mieux et que Raphael Benitez [Manager du Liverpool FC, ndlr] est arrivé à la tête de l'équipe, j'ai pensé que c'était une bonne chose et j'ai mis de l'argent dans l'aventure pour qu'ils puissent remporter un trophée européen.

J'ai vraiment eu le nez fin. La Fifa m'a contacté par l'intermédiaire de Brian Eno. Ils espéraient un spectacle rock avec des artistes mondialement connus alors que nous pensions plutôt à quelque chose de plus artistique, plus proche de l'idée de notre parc d'attractions. Des billets ont été mis en vente, mais il n'y a pas eu beaucoup de retours, alors la Fifa a mis le projet de côté.

Sur le plan personnel, vous avez la réputation d'être un homme à femmes. Est-ce justifié ?

J'ai fait de mon mieux ! Pendant un moment en tout cas. En fait, je me suis marié très jeune, peu de temps après avoir terminé mes études. Je n'ai donc pas eu beaucoup d'expériences à cette époque. Après avoir divorcé dans les années 80, j'ai partagé la vie de Rosanna Arquette pendant quelques années. Et lorsque cela n'a plus fonctionné entre nous, j'ai été vraiment au fond du gouffre. Quand je suis revenu à la vie... je me suis épanoui, je me suis ouvert au monde. Parce que si vous n'en avez jamais eu la possibilité, c'est mieux d'aller chercher cela en dehors de votre univers.

Peter Gabriel regarde alors sa montre et quitte la pièce en marmonnant quelques paroles inaudibles. N'aime-t-il pas parler de lui à ce point ? Sa fidèle assistante nous répond par la négative et nous informe qu'il est juste en retard, très en retard, pour aller chercher, avec sa femme Meabh, leur fils de cinq ans à l'école privée du coin. Le joindre ensuite pour éclaircir quelques points de notre entretien n'a pas été simple. Peter Gabriel est actuellement en train d'enregistrer de nouvelles chansons tout en préparant un mystérieux nouveau projet - nom de code : The Elders - qui pourrait être musical... ou pas, mais où serait encore impliqué Nelson Mandela.

Notre entretien de 90 minutes n'a fait qu'effleurer la richesse et la diversité des projets inscrits à son agenda. Quelques jours plus tard, il est au bout du fil et nous lui demandons s'il pense que sa musique a souffert de ses multiples et diverses activités. « Oui sans aucun doute, a-t-il répondu sans hésitation. Mais au final je pense que j'ai une vie bien plus intéressante ».

merci à Gedeon

MARI BOINE: "Idjagiedas" ["In The Hand Of The Night"] (2006)

J'ai découvert l'extraordinaire voix de cette chanteuse norvégienne en 1989 avec "Gula Gula", son deuxième album, publié sur Real World, le label de Peter Gabriel. Mari Boine est une des personnalités les plus attachantes de ce qu'on appelle commodément la world music. Ambassadrice et protectrice de la culture sami (peuple de laponie) dont elle est issue, elle défend ardemment le joik, le chant sami, qu'elle nous fait découvrir dans ses enregistrements.

"Idjagiedas", son dernier disque en date, nous entraîne dans un très beau voyage musical, qui comme à son habitude, mêle les traditions ancestrales aux influences occidentales (utilisation de synthétiseurs, de guitares acoustiques ou électriques). Après les tous premiers morceaux très rythmées, marqués par des influences chamaniques, le musique se fait vite plus planante, plus douce, et la chanteuse de cinquante ans à la voix toujours aussi jeune et fraîche nous fait découvrir toute l'étendue de son art. Avec "Where Did All Our Colours Go ?", "My Friend Of Angel Tribe" ou "Irresistible" (accompagnée de la guitare magique de Terje Rypdal), sa voix atteint la douceur de la plume, la pureté de la glace pour nous plonger dans des sensations d'écoute intenses. "Fapmodalkkas", le titre qui clôture l'album nous laisse presques hypnotisés par tant de beauté. MAGIQUE !

La page Myspace de Mari Boine

Une interview de Mari Boine dans le magazine Ethnotempos

Je crois que je l'aime

...Sandrine Bonnaire brosse le portrait d'Elsa : "C'est un artisan, donc une manuelle, et un artiste qui crée des fresques en céramique d'une beauté confondante. Elle a une personnalité si particulière qu'il paraît normal qu'elle ait pour amis à la fois Peter Gabriel et un champion du monde de sumo. Éclectique, exotique, frondeuse, elle a souvent raison et elle l'affirme. Elle est têtue... Une fonceuse. Quand elle a décidé d'un truc, elle y va. Elle veut terminer un boulot, elle le fait. Elle a décidé, pendant toute une période de sa vie, qu'elle serait seule, elle l'a fait... Si je devais la résumer d'un mot, je dirais que c'est une fille couillue. Elle me permet d'aborder la comédie car contrairement à l'image qu'on peut avoir de moi, je ne me suis jamais sentie aussi dramatique ou malheureuse que mes personnages."

Billy Cobham at WOMAD

Billy Cobham soon in Adelaide

2007 WOMAD edition in Adelaide/Australia and New Plymouth/New Zealand will see Billy Cobham as Musical Director for the stage gala performances 2006 and 2007 have offered the Panamanian percussionist the opportunity to implement his musical ideas as well at festivals: he has just completed work in collaboration with Danilo Perez at Panama Jazz as well as fulfilling commitments to WOMAD this coming March.

Extremely active, Billy is going on travelling the whole world, seeking new experiences by being involved in many diverse projects. Aside from his commitment to WOMAD Billy has recorded two important cd's: Drum’n’Voice 2 and Meeting of the Spirits

Meeting of the Spirits is a unique arrangement of the compositions of John McLaughlin as were performed by the Mahavishnu Orchestra. Arranged for orchestra by Colin Townes, the strong contrast between one of the fusion bands oriented of all time and the Jazz orchestra perfectly matches Billy Cobham and Colin Townes in collaboration with the HR Big Band when this project was recorded and mixed from two performances at HR Radio (Frankfurt) and for Saarland Radio (Saarbrucken). Arrangements were both musically demanding yet rewarding to all who took part in the performances.

On the other side Drum'n'Voice 2 is Billy's second experience with the Italian label Nicolosi Productions where Billy is performs with some old friends and colleagues from the 1970's when musicians first experimented with jazz-rock 'fusion' (this involves the combining of jazz musical concepts with rock and roll rhythms. Here, there is proof in the grooves, that those years still can be inspirational. Inside is a combiination of pop, electric jazz, funky, blues, smooth and world music styles. we can hear Billy perfom in these musical contexts with Brian Auger (Hammond organ), Buddy Miles (vocal), Frank Gambale (el.guit.), Mike Lindup (vocal), Dominic Miller (guitars), Jeff Berlin (el.bass), Guy Barrer (flugelhorn), John Patitucci (el.bass), Airto Moreira (perc.), Novecento (band) and Jan Hammer (synth. 30 years after Spectrum),

Last but not least, there is this new experience for Billy Cobham: a 90 minute film by Mika Kaurismäki, Sonic Mirror, a musical documentary film on Billy Cobham, presenting his journey into several different musical cultures. This movie travelg opens in Switzerland before making brief stops in New York, Salvador da Bahia and Helsinki/Finland. It is scheduled to be presented at Festival Internacional de Cine, Nyon April 2007.