Nick Mulvey Percussionist, Portico Quartet

Telegraph.co.uk 04/09/2008

Nick Mulvey, percussionist from Portico Quartet, tells Charlotte Bailey about his week

Wednesday

This has been the busiest week of my life: I play percussion for a jazz group called Portico Quartet and our debut album, Knee-Deep in the North Sea, has been shortlisted for the Nationwide Mercury Prize, which is announced next week.

Today we came back from Peter Gabriel's studios in Wiltshire, where we had spent five days working on our next album. It was the first time in a year that we had been in the studio and we had all forgotten how intense the process can be - though we did have our own cottage and our own chef. (...)

John Zorn, le moine et la forteresse

Arnaud Robert, Le temps (CH), Jeudi 28 août 2008

RENCONTRE. Le festival de jazz de Willisau s'ouvre ce soir. Dimanche, le saxophoniste américain s'y produit en deux formations. Portrait d'un maître pressé.

C'est une porte close. Avec une croix de David épinglée. Un immeuble carré, miné, semblable aux mille autres qui le précèdent, Village de Manhattan. John Zorn vit là. Dans ce réduit sans cuisine - «il me fallait de l'espace pour mes disques et mes bouquins», sans aucun meuble mais tapissé de partitions en cours. Au milieu du plancher encombré, un fax s'anime. Sur son répondeur, Zorn accueille: «File-moi du fric». Il a 55 ans. Porte les mêmes pantalons militaires qu'il y a quinze ans; il ne veut parler ni aux journalistes, ni à ceux qui vont retarder son travail. Quelques mètres carrés de cagibi retranché lui ont suffi, au fond, pour usiner l'une des œuvres les plus amples de son époque.

Zorn à Willisau, il y vient depuis vingt ans au moins. Un festival qui documente soigneusement les déflagrations de la scène downtown de New York. Une scène, dont Zorn est le punk déconstructeur, l'âme blafarde, l'icône obsessionnelle. Comment le décrire? Cet homme né à New York, le 2 septembre 1953, qui a sorti plus de 160 albums, créé un label faramineux (Tzadik), des clubs, un mouvement culturel et artistique (la Radical Jewish Culture). Un long bonhomme sarcastique dont la réputation d'arrogance lui sert de carnet de vaccination et de garde-barrière. On ne voit pas très bien d'antécédent à Zorn, sur cette île. Des génies qui ont réussi à coaguler les énergies de la cité - Duke Ellington, Miles Davis, John Cage -, on ne les compte pas. Mais un anarchiste taiseux dont le saxophone alto réussit à résumer l'avant-garde de son temps, non, on ne voit pas.

Zorn n'est pas jazz. C'est un fait. Même s'il raffole d'Ornette Coleman. Sa tradition naît de l'écriture contemporaine. Il cite Ligeti, Xenakis, Partch, Boulez. Il vient à la musique vers le milieu des années 70, période des lofts. «On jouait chez les gens, avec une brosse à dent sous le nez», raconte son compère de palier, le pianiste Anthony Coleman. Ils travaillent ensemble chez un disquaire, la Soho Music Gallery, où Peter Gabriel et David Byrne viennent se fournir en chants pygmées. Zorn crée des ensembles de durée variable, Naked City, Cobra, auxquels il refile ses microcompositions de cartoon hurlant. Trente secondes de débauche. De violons laminés. De guitares-pagaille. Il sélectionne une sorte de troupe théâtrale, une série de musiciens qui l'accompagnent en tout terrain, dont aujourd'hui la pianiste suisse Sylvie Courvoisier.

On est au carrefour des mondes. S'agit-il d'improvisation, de musique écrite? Pas le temps de s'arrêter pour penser. Zorn est au Japon. Il y loue un appartement. Apprend le japonais - il parle aussi français, hébreu et allemand, ne supporte pas de lire ses auteurs préférés (Genet, Mishima) en traduction. Il suffit de se rendre à Tokyo, dans une chambre infime et blanche qui sert de salle de concert, le Offsite, pour saisir l'influence de Zorn sur toute une génération de musiciens nippons. Otomo Yoshihide, Merzbow, Ruins. Ils ne jurent que par ce météore ricain qui ne demeure jamais longtemps. Au début des années 90, Zorn se rend à Munich pour commémorer la Nuit de Cristal. Le clarinettiste David Krakauer l'accompagne: «Quelque chose a changé en lui à ce moment-là. Il a décidé que nous devions être fiers d'être Juifs.»

Un forage long, consciencieux, polémique, le long de ses racines sémitiques. «C'était une sorte de révélation bizarre», dit Zorn. Il baptise un quartette Masada, du nom de cette forteresse israélienne dont les habitants ont préféré se suicider plutôt que de se plier à l'occupant romain. Une vingtaine de disques, plus de 200 compositions, toutes dédiées à Theodor Herzl, fondateur du mouvement sioniste. Une entreprise jubilatoire, que des dizaines de suiveurs adoptent. Renaissance juive à Manhattan, dans une diaspora qui a largement contribué à la musique américaine. Si Zorn poursuit son œuvre, à ce rythme battant, il faudra encore plusieurs décennies pour en saisir la portée. Hors ses murs.

Jazzfest Willisau. Du 27 au 31 août. John Zorn, 31 août à 14h30, avec Bar Kokhba et Koch-Schütz-Studer-Amstad. http://www.jazzwillisau.ch

Gwyneth Herbert's got some stories to tell

by ARWA HAIDER, Metro.co.uk, Monday, August 25, 2008

When Gwyneth Herbert became the first British artist to sign to the legendary Blue Note label for two decades, she was hailed as part of a new generation of jazz talent. Conversely, she also prompted debate as to whether her 2007 album Between Me And The Wardrobe could be defined as jazz at all. It's a question that she's equally happy to ponder.

'There are definitely jazz dialogues in my music, but I'm also really influenced by blues and folk and the 1970s singer/songwriters that I grew up with,' she says. 'It's a really exciting time to be making music because so many people are into a huge variety of genres.'
Herbert's charismatic chattiness is key to her narrative-based songs and her presence as a live performer. Her vocal delivery is so warm and mellifluous that some of her music's darker themes catch you by surprise; tracks such as Slow Down Brother initially seem easy on the ear but actually convey tragic scenarios, often based on real life. That heady mixture of moods also applies to her latest tracks, which she will be showcasing over two nights at Ronnie Scott's, alongside established album tracks and 'surprise' covers.

Earlier this year, Herbert and her band were invited to record at Peter Gabriel's Real World studios as part of a Bowers & Wilkins-sponsored music club. The fruits of that session, entitled Ten Lives, have so far only been available to subscribers but she's planning to expand the material for her next full album.

'When we do the next album, I definitely want to capture some of the "in yer face" clankiness that we had in the Real World sessions. When I was making Between Me And The Wardrobe, I was in quite a reflective mood.
'The new writing is quite different; the songs and arrangements have got a lot more balls. And Seb Rochford is the special guest at these shows - I'm really excited about hearing him work his octopus-like drumming magic on the songs.'

It's also significant that Herbert has now established herself as an original songwriter rather than a covers artist, although she points out that this wasn't an orchestrated move.

'I always loved interpreting other people's material,' she explains, earnestly. 'But I originally found my musical voice when I worked with Tom Cawley (another intrepid young jazzer). We went on this amazing six-month journey of writing songs and throwing words around. I've always been fascinated by the fact that everyone has an emotional story to tell. People strike up conversations with me on the Tube; I'm kind of the anti-Londoner.'

It will be intriguing to hear where Herbert sources her next musical stories. She confounds expectations with real beguiling charm.

Tue-Wed Aug 26-27, Ronnie Scott's, 47 Frith Street, W1. 6pm, £15 to £30. Tel: 020 7439 0747. www.ronniescotts.co.uk Tube: Tottenham Court Road

Rachel Z Returns With More “Good and Evil”

Written by Andrea Canter, Contributing Editor, Wednesday, 06 August 2008

Rachel Z and DOGE

"In the music, I tend to play minor chords. That's why I'm in the department of evil. We joke about it a lot, but the chords are kind of scary. They represent a harmony I really enjoy, one that came out of the late '60s with Herbie Hancock and Wayne Shorter. The department of good has the bass and drums. They're funky, groovy, slinky, sexy -- all the happy things." – Rachel Z

Sometimes the true nature of jazz is obliterated by our tendency to classify and label. Despite its “melting pot” roots and evolution, the genre is often embroiled in controversy over its definition. Enter an undeniably talented pianist/vocalist/composer whose chops shout Shorter and Hancock while her repertoire screams Sting and Stones. Such fusion of stylistic ideas has haunted popular performers from Miles Davis to the Bad Plus, and similarly, Rachel Nicolazzo—known simply as Rachel Z—and her Dept of Good and Evil ensemble. Next weekend, Rachel and DOGE return to the stage of the Dakota in downtown Minneapolis for a weekend of unclassifiable fun and serious musicmaking.

Rachel Z initially seemed destined to follow her mother into the world of opera. Growing up in Manhattan, she began voice lessons at age two, then classical piano at seven; she attended her first opera at age nine. “My first doll house was a Metropolitan Opera House,” she notes. But on hearing “Miles’ Smiles” at age 15, she began improvising against the grain of her classical repertoire and was soon playing in a band covering Joni Mitchell and Steely Dan. She further crossed the classical-to-jazz divide by listening to Herbie Hancock’s interpretations of Wayne Shorter, launching a quintet named Nardis, and studying with Joanne Brackeen and Richie Bierach.

Rachel graduated from the New England Conservatory of Music in Boston, where she worked with Bob Moses, Miroslav Vitous and George Garzone. Back in New York in 1988, she toured with NEC classmate Najee and co-wrote the title track to the smooth saxman’s best-selling Tokyo Blue. Throughout the 90s, she played with fusion band Steps Ahead, Al DiMeola, Larry Coryell, Special EFX, Angela Bonfil and Mike Mainieri, who produced her debut release, Trust the Universe (1993). Next Z collaborated with hero Wayne Shorter, arranging, playing acoustic piano, and directing his tour for the Grammy-winning High Life. In the mid-90s, she extensively toured in support of her album dedicated to women artists, A Room of One’s Own, before turning to more electronic-driven music via Vertu (Al DiMeola, Stanley Clarke and Lenny White). Over the past decade, her efforts have encompassed interpretations of everyone from classic jazz giants to contemporary pop and rock stars, including recorded tributes to Wayne Shorter and Joni Mitchell. A global tour with Peter Gabriel (2002-2004) as well as three more recordings brought her international attention.

About two years ago, Rachel formed Dept. of Good and Evil. For percussion she looked to long-time collaborator Bobbie Rae, an equally eclectic musician with a long resume of mostly indie rock projects as drummer, producer, arranger, and educator. A native of Philadelphia, Bobbie is a founding member of Amplify, performs in duo as Twin Engines with guitarist Jimmy Walls, and has lived and worked throughout Europe. For acoustic bass, Rachel tapped Maeve Royce, one of her students at the New School in Manhattan. Growing up in Baltimore, Maeve started out on cello, switching to electric bass and then acoustic bass at 15. She began playing in Philly-area jazz clubs while attending Rowan College, later making the move to New York and the New School. Additional sonic power on Dept of Good and Evil comes from another long-time partner, electric bassist Tony Levin, and Twin Cities-based trumpeter, Erik Naslund.

Dept of Good and Evil is a natural extension of Z’s tendency to reconstruct favorite tunes from pop, rock, and Goth. Notes Rachel, “I loved the Good and Evil concept, which reflects everything going on these days, not only in government but also in the music world where overhyped projects are often terrible and others which get no hype are great…Bobbie and Maeve are the good, and I’m the harmonically evil one. Dept. of Good and Evil is the best of everything for me, exciting material to work with and an incredible ensemble of players which I just love vibing with…we can play a whole night of jazz standards and then turn around the next and do a strictly rock and groove thing.”

Mixing the “rock and groove thing” with inventive post bop explorations yields a recording that covers both familiar and obscure tunes as well as three original compositions, two from Rachel Z and one co-written with Bobbie Rae, who also produced the recording and contributes arrangements on all tracks. Despite the disparate sources, overall the recording flows like a multi-part suite, not only from track to track but even within specific tracks as Z and company shift mood and rhythm from moment to moment, yet always tethered by a golden thread of musical logic. The result is one of the most exciting piano-led recordings I’ve heard in the past year―Z’s eclectic history may disguise the fact that she is among the top echelon of modern jazz pianists, with a strong emphasis on “jazz.” Listen to Rachel and multiple influences are apparent: Fred Hersch in the elegance of her elongated phrases with contrasting clipped and chordal passages; McCoy Tyner in the runs that swing with power while challenging the speed limit; Keith Jarrett in the structures that spiral through the universe, exploring all directions; and most of all, idol Herbie Hancock who integrates all of the above.

Be it a blessing or curse, Rachel Z’s eclectic appetite has proven a commercial success over the release of eight recordings and numerous tours, bridging genres and sonic sensibilities in reaching listeners from multiple generations. And assuming the diverse origins of musical ideas are simultaneously irrelevant and basic to modern jazz, Z’s current project should serve to place her exactly where she belongs—among the most talented and inventive of 21st century post bop magicians, one who should appeal equally to those raised on U2 and Smashing Pumpkins and those steeped in the lineage of Evans, Jarrett, Hancock and Tyner.

Manu Katché revient à ses premières amours, le jazz

Par Karina Chabour, FRANCE 24, Jeudi 24 juillet 2008

Toute la semaine, les Arènes du jazz ont pris leur quartier à Montmartre pour la quatrième édition. C'est au pied du Sacré Cœur que nos reporters ont rencontré Manu Katché.

L'artiste français longtemps courtisé par la pop internationale revient à ses premières amours. Accompagné de quatre jeunes musiciens talentueux, il revisite à sa façon les racines du jazz, en y mêlant sons et rythmes actuels.

Entre classique, jazz, pop, rocks sons et rythmes actuels, Manu Katché aime bousculer les genres. Lancé en 1986 par Peter Gabriel, l'artiste français se fait très vite remarquer par les plus grands du pop-rock. Sting, Dire Straits, Tracy Chapman, Youssou N'Dour, ou Joe Satriani ont croisé sa route... Une carrière fulgurante, où le jazz occupe une place bien à part.


"Moi, le jazz, j'en ai toujours beaucoup écouté", explique Manu Katché. "J'en ai joué aussi pas mal. C'est vrai qu'on me connaît plus pour la musique pop et rock , mais c'est une musique qui fait vraiment partie de moi, donc j'avais jamais fait d'album représentant cette musique là. Mais c'était quelque chose qui était vraiment à l'intérieur. Donc tout à coup, après fait eu pas mal d'expérience dans la musique industrie, j'ai envie de revenir à mes premières amours et d'expérimenter. "

Un retour aux racines, teinté de sons et de rythmes actuels. Avec sa formation de jeunes musiciens européens, Manu Katché aime dépasser les frontières du jazz.

"Je trouve qu'aujourd'hui, l'Europe a pris le pas dans l'émergence de musiques nouvelles", analyse Manu Katché. "En tout cas dans la nouveauté jazz, que ce qui se passait il y a une vingtaine d'année à peu près. C'est pour ça que je suis passé à ce moment là dans une carrière en solo, de m'inscrire dans cette musique là, qui est assez représentative de ce que je fais."

Et tout réussit à ce touche-à-tout musical. Une passion qu'il aime partager. Un temps, membre du jury de la très populaire nouvelle star, le musicien anime "One shot note", une émission de télévision qui explore en live ses univers musicaux.

Return To Forever CDs

Glide Magazine :

Return To Forever is back. For those in the know, a happy shiver runs up your spine, and for the uninitiated there's a world of treats in store during their upcoming summer tour that kicks off May 29 at the Paramount Theater in Austin, TX.

This seminal '70s band used jazz as a launching pad for explorations into rock, Cubanismo, space music, flamenco and much more, all of it charged with crackling electricity and jaw dropping musicianship. Like Can and Traffic, RTF doesn't always get credit for exploding music's walls and creating the borderless atmosphere that made the jam scene possible. Their fearless, jubilant sonic revolt helped show several generations of players that one needn't adhere to what anyone says is the "correct way" of doing things. Sometimes it takes visionaries like Return To Forever to help clear the sleep from our eyes.

Outside of a brief reunion in 1983, Chick Corea (keys), Al Di Meola (guitar), Stanley Clarke (bass) and Lenny White (drums) haven't played together since 1977. Each has made an indelible mark on jazz (and a few other genres) in the intervening years but there's never been anything quite like the bubbling, irresistible, even volatile chemistry they shared together for a few short, ridiculously creative years.

"A lot of times you do things, whether or not they come out good or bad, and you don't get an opportunity to revisit them. Let's say you made a mistake and you say, 'Oh well, I gotta chalk that up.' Or you did something and you had a great time but it becomes memories. To get the opportunity to revisit those sorts of situations is kind of special," says White. "To go back and look at this music for a second time, in a new time and new space, is pretty special."

This summer Return To Forever; Chick Corea (keyboards), Stanley Clarke (bass), Lenny White (drums) and Al Di Meola (guitar), reunite for an unprecedented return to the concert stage after more than 25 years apart.

To commemorate the reunion, the band have personally selected and overseen the careful remixing and remastering of their groundbreaking repertoire with The Anthology, set for release May 27, 2008 on Concord Records.

The 2-CD set features 20 tracks that propelled the band into history and made them a titanic influence on an entire generation of players. The Anthology features tunes from their classic albums; Hymn of the Seventh Galaxy (1973), (1974), Where Have I Known You Beforethe Grammy-winning No Mystery (1975) and their top-selling gold record Romantic Warrior (1976).

The packaging of this definitive new collection is designed by Peter Gabriel's (Real World) Creative Director, Marc Bessant and includes never-before-seen photos of the band, individual recollections from each band member and a deeply honorific and entertaining narrative liner essay from Miles Davis reissue producer & Grammy-winner Bob Belden.

Manu Katché, si vous étiez...

Son dernier opus, Playground, a fait un tabac. Reconnu par les plus grands, de Sting à Souchon, ce batteur exceptionnel part en tournée tout l'été.

Si vous étiez... un livre de chevet

Le Joueur d'échecs, de Stefan Zweig. Un auteur magnifique et un sujet universel : le dépassement de soi.

Un tableau

N'importe quel Basquiat ! A travers son oeuvre tourmentée, je retrouve un peu la sensibilité et les émotions de Miles Davis. Je me demande si Basquiat n'écoutait pas ses disques lorsqu'il peignait. Allez savoir ! Ils restent tous deux d'une incroyable modernité.

Un pays

Asiatique ! Je suis un fan du Japon, du Vietnam et du Laos. J'aime tout de cette culture : la nourriture, le sens de l'esthétique, le perfectionnisme. Et je sais de quoi je parle, car je travaille depuis plus de vingt ans avec des Japonais ! Ils sont pros et dotés d'une écoute des autres exceptionnelle.

Le seul objet sur une île déserte

Un couteau suisse, pour survivre. Le côté « perdu au milieu de l'océan » ne me fait pas du tout rêver. Je n'aime ni la mer ni le bateau.

Un paysage qui suscite le rêve

La montagne. C'est vraiment mon élément. J'adore marcher, skier, dormir dans un refuge et contempler les sommets. Cela m'apaise énormément. Ces paysages me font cent fois plus voyager que les océans. A la montagne, il y a d'ailleurs une qualité sonore incroyable, un son ouaté unique.

Un mot qui serve de devise

Ténacité. C'est l'un de mes traits de caractère. Je suis non pas têtu, ni borné, mais pugnace. J'aime aller au bout d'un projet... le seul moyen de savoir si l'on s'est trompé !

Un animal

Un félin. Je préfère m'imaginer en jaguar plutôt qu'en serpent. C'est un animal racé, rapide et combatif ! Quand il a repéré sa proie, il ne la lâche pas.

Un personnage historique

Victor Schoelcher. Il contribua à faire adopter le décret sur l'abolition de l'esclavage.

Une saison

L'automne. Sa lumière est plus dorée, plus subtile que celle de l'été.

Une rencontre que vous espérez

Je n'espère rien. Je suis assez fataliste. Néanmoins, je serais ravi de discuter avec Patrick Modiano ou Nelson Mandela.

Un musicien ou un chanteur

Miles Davis. C'est mon maître et une référence absolue. La puissance de sa musique est universelle. J'ai eu la chance de le rencontrer une fois, à la fin de sa vie, aux Etats-Unis, à l'occasion d'un concert pour Amnesty International. A l'époque, je jouais avec Peter Gabriel. Cela reste l'un de mes plus beaux souvenirs. J'espère que l'on se retrouvera dans l'au-delà et que l'on fera un boeuf !

Propos recueillis par Sylvie Wolff, l'Express

N&N Festival: Saturday, May 17

Xarxa Teatre, Spanish masters of fire, will perform in Earlham Park tonight, Saturday.

Today a closing flourish brings to our festival jazzy American visionary Jon Hassell - the world's most famous unknown contemporary composer and trumpeter. He is the maker of “Fourth World” music, a mysterious mix of ancient and digital, composed and improvised, Eastern and Western.

His name may still be unfamiliar but let's judge him by the company he keeps - and the constellation of stellar artists he inspires. “Almost all of the musicians I meet at the moment seem to regard Jon Hassell as one of the God-like geniuses of contemporary music,” says David Toop, of The Wire (whose own music has just featured in Michael Clark's The Stravinsky Project).

And he adds: “There's no doubt that Jon has had an effect on contemporary music as important as Miles Davies or Jimi Hendrix or James Brown or the Velvet Underground.”

After studies with Karlheinz Stockhausen and early collaboration with Terry Riley (a recent festival bill-topper), he met Hindustani raga master Pandit Pran Nath and sought to translate that haunting Indian vocal style for the trumpet.

His 11 singular solo albums over the past two decades have been hugely influential - bringing rave reviews from, and working partnerships with, Brian Eno, Peter Gabriel, Baaba Maal, k.d. lang, Bjork, Bono, Talking Heads, the Kronos Quartet, fashion designer Issye Miyake, choreo-grapher Merce Cunningham and film director Wim Wenders. Oh, and Ry Cooder produced his last CD, Fascinoma.

And now, thanks to a festival commission and a world premiere in Norwich Cathedral tonight, the collaborative list includes our own The Voice Project - the 100-voice, open-access choir formerly known as Bigger Sky, directed by Sian Croose and Jonathan Baker.

Tonight the choir will perform Hassell's In Tsegihi (The Night Chant), with text from a Navajo ritual of healing, with the composer on trumpet and keyboard and support from his Maarifa Street band. (...)

IAN COLLINS /EDP24

Sting's Drummer and Jan Gabarek's Saxophone to Impress Local Jazz Fans

Jan Gabarek's saxophone and Manu Katche's drums are about to fascinate local jazz fans in Sofia's National Palace of Culture (NDK) on May 15, informed from teh Standart News.

The drummer skills of Manu Katche, French drummer from African descent, made Sting's most successful albums ‘Nothing Like the Sun' and ‘Soul Cages' so amazing.

The Standart news share that whenever Peter Gabriel decides to mix pop music with ethno he faced the following success thanks to Manu.

On the other hand live performance of Jan Gabarek has been the dream for generations of Bulgarian jazz fans.
Author: international.news.bg

Jazz meets Nusrat Fateh Ali Khan

I am not sure how ATP readers will react to this, but let me say that I have been totally mesmerized by this music and have had it on auto-repeat play for the last three days.

But, first let me thank Zeeshan Suhail, on whose blog I found this wonderful fusion/jazz band called Brook’s Qawwali Party (BQP).

BQP produces a captivating sound based on Nusrat Fateh Ali Khan’s classic works and turn it into a unique and peculiar fusion of sufi qawalli rhythyms and jazz. But I will let them explain what they and their music is about. According to the BQP webpage:

What would happen if New York jazz musicians were to play and improvise around the melodies of Nusrat Fateh Ali Khan? From this idea, Brook’s Qawwali Party was born. consists of fourteen musicians: five horns, three percussionists, guitar, acoustic bass, harmonium and three designated clappers. The exuberant sound of BQPBQP has been enthusiastically welcomed in New York City and across the globe.

According to Sepia Mutiny “Brook’s Qawwali Party is … made up of non-desi Brooklynites who get together in Park Slope… [they are] probably one of the only Sufi bands with Jewish members in existence.”

Of the half dozen audio clips that are available at their website, my favorite is ‘Beh Haadh Ramza Dhasdha’ (He Manifests Himself in Many Forms) which you can listen to by clicking below or on the image on the left, or by going to their web page.

I am a big fan of the original by Nusrat Fateh Ali Khan (in the album Shahbaaz) — I believe it is a tribute to Mansoor Hallaj shouting Ana al Haqq, even as he is executed on the gallows.

The BQP version has a very different quality to it and in the beginning I could not pin it down. But as I hear it again and again it seems to me that because they are using horns, their version has a shaadi waala band sound to it (I say this as a compliment because I am a huge fan of shaadi waala brass bands).

This particular clip starts rather abruptly, but from around 25 seconds onwards (espeically to around 1 minutes 15 sections) there is this wonderful interplay of sounds and of instruments that should gladden the hearts of qawalli fans as well as jazz fans.

Anyhow, do listen and make up your own mind.

Of the other clips on their site, I also like Tou Kareemi very much. It again has that interplay of horns that reminds me of a good military band playing at a shaadi. Both of these are rather ‘fast’ numbers. If you are looking for mellower sounds you should try their rendition of Man Kuntou Moula. Their versions of Mast Mast and Allah Hou, Allah Hou are not bad but these seemed much more like instrumental versions of Nusrat Fateh Ali Khan’s originals and, especially in the later, the chant of ‘Allah Hou’ gets a little too Americanized in accent for my taste.

But, over all, I thought this was great stuff.

Adil Najam

MOTIVES FESTIVAL, GENK (BE)

14-17 NOVEMBRE 2007 CASINO MODERN - GENK (BE) .MOTIVES FESTIVAL.

Une nouvelle et quatrième édition !

Motives Festival n’est pas un festival traditionnel. A l’occasion de cette quatrième édition il présentera donc à nouveau un visage très personnel. En sa qualité de forum international pour le jazz innovant, le festival propose un programme débordant de musiques actuelles et créatives. L’affiche propose une expérience musicale contemporaine d’une qualité inouïe, et le plus souvent associée à des stimuli visuels puissants. Le public du Motives Festival est particulièrement gâté par la succession de créations exclusives et de concerts uniques pour la Belgique. Nous invitons tout le monde à parcourir un chemin peu ordinaire, en compagnie de tous les artistes. (...)

JEUDI 15.11
23.00-0.00H
JON HASSELL & MAARIFA STREET (US)

Le compositeur et trompettiste Jon Hassell est un visionnaire. Il est l’inventeur d’un style musical qu’il définit lui-même comme étant le « quatrième monde » : une musique hybride, mystérieuse et originale, à la fois ancienne et digitale, composée et improvisée, orientale et occidentale. Il a travaillé avec des monuments de la scène pop tels que Brian Eno et Peter Gabriel et il a enregistré plusieurs albums solos qui exerceront une influence sur la musique contemporaine. En 1999, son album “Fascinoma”, produit par Ry Cooder, ouvre un nouveau chapitre dans la carrière de Hassell. En plus de Ry Cooder, il s’entoure aussi du pianiste de jazz Jacky Terrasson. Cet album va inspirer la nouvelle génération de trompettistes européens comme Erik Truffaz, Paolo Fresu et Nils Petter Molvaer. Hassell est sans aucun doute un millepatte musical, mais surtout un extraterrestre dans l’univers du jazz... (....)

Strong Norwegian line-up at London Jazz Festival

Saxophonist Jan Garbarek returns to the capital for an appearance at the London Jazz festival where other Norwegian names include renowned musicians Ketil Bjørnstad and Tord Gustavsen Trio. London Jazz Festival, in association with BBC Radio 3, takes place from 16 - 25 November and includes the following Norwegian concerts:

Ketil Bjørnstad & Wolfgang Puschnig
Friday 16 November
PizzaExpress Jazz Club

Often described as Norway’s Renaissance man, Ketil Bjørnstad is a writer, poet, pianist and composer. His duet with the brilliant Austrian saxophone/flautist and favoured Carla Bely soloist unites two of Europe’s major jazz figures. Tonight’s set offers an opportunity to savour the music from Ketil’s new Universal CD Devotions, evoking powerful resonance of memory.
Supported by the Norwegian Embassy

Jan Garbarek
Sunday 18 November
Southbank Centre's Royal Festival Hall, 7.30pm

With his unmistakably intense sound, melodic themes and sculptural sonic landscapes that resound with the spirit of his native Norway, saxophonist Jan Garbarek has come to epitomise the sound of ECM, the label he’s called home since the early 70s. Throughout, he’s pushed the boundaries through his work with the Hilliard Ensemble, forays into Asian music and an ongoing fascination with Scandinavian folk melodies. Tonight’s concert sees a revamped quartet with a brand new addition, French drumming sensation Manu Katché, who, alongside high-profile work with Sting and Peter Gabriel, has appeared on several Garbarek releases, including 2004’s In Praise of Dreams. Expect sounds both timeless and modern, ethereal and earthy from this defining voice in European jazz.
Supported by the Norwegian Embassy

Tord Gustavsen Trio plus Stefano Bollani & Enrico Rava
Wednesday 21 November
Barbican

Avoiding showy technique in favour of clearly stated melody, Norwegian pianist Tord Gustavsen's performances shine with a mesmerising lyricism. Tonight, his acclaimed trio performs pieces from their latest album, Being There, the third part of 'a trilogy that could be the most essential jazz document of the last ten years.' Independent on Sunday. Italian pianist Stefano Bollani gained glowing reviews for his debut British tour earlier this year. This evening he's joined by his mentor - Italian jazz's most globally renowned figure - trumpeter Enrico Rava.

Related persons:
Ketil Bjørnstad, Composer, Pianist, Writer
Jan Garbarek, Jazz muscian, Saxophonist, Composer, Flute, Arranger
Tord Gustavsen, Jazz pianist, Composer

Manu Katché, retour aux fondamentaux

Certains artistes ont une double vie cachée. Celle du batteur Manu Katché s'est toujours jouée au grand jour. Ces quatre dernières saisons, il était juré à « La Nouvelle Star », l'émission de téléréalité musicale de M6, tout en jouant une musique exigeante, aux antipodes des variétés. Peu après la sortie de Playground, son nouvel album, il donne ce soir un concert au Théâtre des Champs-Élysées, avant un retour en France plus abondant avec une tournée au printemps prochain.

La musique de Playground appartient avec une certaine fierté aux canons esthétiques du label ECM : des couleurs sophistiquées, un langage harmonique très développé, une capacité revendiquée à susciter la pensée plutôt que la danse. Manu Katché est heureux chez ECM, le plus légendaire label de jazz européen, chez qui il a déjà publié l'album Neighborhood il y a trois ans, en compagnie notamment de Jan Garbarek. « Je crois qu'ECM a été créé en 1969 et mon premier album acheté est Timeless, de John Abercrombie, en 1974 (Manu Katché avait 16 ans). Il faut se replacer trente ans en arrière : le jazz européen était assez faible dans son expression. Nous étions complexés parce que français et non noirs américains, et ECM me tenait à coeur à cause de quelque chose que je ne pouvais pas exprimer à l'époque car j'étais trop jeune : la notion de silence. »

Entre-temps, il a travaillé les percussions au Conservatoire national supérieur de Paris, été révélé comme batteur de rock en 1986 sur l'album So, de Peter Gabriel, a travaillé avec les Gipsy Kings et Joni Mitchell, Kassav' et Francis Cabrel, Dire Straits et Youssou N'Dour. Il figure sur 250 ou 300 albums, il ne tient plus le compte...

Attentif au partage

Mais son quintet de jazz est loin de tout cela. Deux Norvégiens (Mathias Eick à la trompette et Trygve Seim aux saxophones) et deux Polonais (Marcin Wasilewski au piano et Slawomir Kurkiewicz à la contrebasse) l'entourent, dans une formule volontiers méditative. Il ne s'est pas donné systématiquement le premier rôle dans ses compositions.

Il milite, à l'inverse, pour une batterie qui ménage des espaces, qui travaille au dessin mélodique, qui pense parfois moins au rythme qu'aux autres valeurs de la musique. Ses disques le montrent attentif au partage, heureux dans des dimensions conviviales. À 49 ans, Manu Katché a abandonné depuis belle lurette la course aux armements qui passionne tant de musiciens. Il est vrai qu'il a approché toutes les gloires, comme batteur de Peter Gabriel ou Sting dans leurs énormes tournées. « Le plus gros, c'est Woodstock deuxième génération, avec 300 000 personnes, ce qui n'est pas franchement intime et convivial. Dans ces moments-là, il y a une adrénaline extraordinaire. Mais aussi une telle perte de plaisir entre le public et soi !... »

Bertrand DICALE

Four Nights, Four Bands Celebrate Bud Powell at the Iridium, September 27-30

One of the most influential pianists in jazz, Earl Rudolph 'Bud' Powell (September 27, 1924 – July 31, 1966), along with Charlie Parker and Dizzy Gillespie, was one of the founding fathers of bebop. Often called the “Charlie Parker of the piano,” Powell’s contributions as composer, pianist and bandleader will be celebrated this week at the Iridium through the interpretations of four master pianists and their ensembles, September 27-30. (...)

September 30 (8 & 10 pm), Rachel Z Trio. Rachel Nicolazzo, known simply as Rachel Z, is an undeniably talented pianist/vocalist/composer whose chops shout Shorter and Hancock while her repertoire screams Sting and Stones. Growing up in Manhattan, she began voice lessons at age two, then classical piano at seven; she attended her first opera at age nine. “My first doll house was a Metropolitan Opera House,” she notes. But on hearing “Miles’ Smiles” at age 15, she began improvising against the grain of her classical repertoire and was soon playing in a band covering Joni Mitchell and Steely Dan. She further crossed the classical-to-jazz divide by listening to Herbie Hancock’s interpretations of Wayne Shorter, launching a quintet named Nardis, and studying with Joanne Brackeen and Richie Bierach. Studies at the New England Conservatory of Music and serving as music director for a tour with Wayne Shorter helped launch her eclectic career. Over the past decade, her efforts have encompassed interpretations of everyone from classic jazz giants to contemporary pop and rock stars, including recorded tributes to Wayne Shorter and Joni Mitchell. A global tour with Peter Gabriel (2002-2004) as well as five recordings have brought her into the international spotlight, but her current Department of Good and Evil band has truly ignited audiences around the globe. Her trio features Department collaborators, bassist Maeve Royce and drummer Bobby Rae. Expect a few surprise guests!

Manu Katché: "Miles Davis est un maître"

Batteur attitré du gotha de la scène pop-rock et juré impitoyable de La Nouvelle Star, Manu Katché, signe son retour avec Playground (terrain de jeu) son deuxième opus, enregistré à New York avec son quintet de musiciens européens. Douze ballades aux climats zen et impressionnistes qui évoquent le Miles Davis de Kind of Blue et de Birth of the cool...Il s'explique pour leJDD.fr.

A écouter l'album, on vous devine comme un type assez contemplatif...

Définitivement. Je peux m'asseoir pendant trois heures pour regarder la montagne et les nuages. Sans m'ennuyer une seconde. Pareil à la mer ou sur la terrasse d'un café. C'est une activité solitaire, pas toujours facile pour mon entourage, mais j'ai besoin de me retrouver seul avec moi pour laisser mon esprit se balader et me retrouver dans une espèce de somnolence. Chacun a sa manière de se retrouver en soi-même pour ensuite délivrer de purs moments de plaisir.

Certains morceaux évoquent directement Miles Davis...

Dans mon premier album, il y avait aussi des références à l'album Kind Of Blue. C'est un maître, un leader d'opinion musicale, il a su passer les époques sans jamais se répéter, avec le souci constant de se renouveler et de se réinventer. Je l'ai rencontré une seule fois pendant la tournée Amnesty 88 avec Peter Gabriel dans le New Jersey, au Giant Stadium. Après le concert, Miles était dans les loges et il me dit de sa voix caverneuse: Man, you sound great (Mec tu sonnes bien). Je n'ai malheureusement jamais joué avec lui.

Vous semblez adhérer à sa philosophie: "Jouer peu de notes mais de belles notes...

Oui, je ne suis pas un grand fan de milliards de notes jouées en une mesure. Mais je respecte, chacun sa façon de s'exprimer. Dans la musique, il faut toujours penser au silence, le respecter, lui laisser une place. Cela peut paraître étonnant pour un batteur de dire ça. Mais quand le silence est bien placé, la note qui suit est juste magique.

L'album a été enregistré en trois jours. Pourquoi si vite ?

C'est la règle dans le jazz. Les budgets ne sont pas les mêmes que pour les albums "mainstream" pop ou rock. Trois jours, c'est quand même un peu court. Avec une semaine on aurait été vraiment très confortables. Là, il faut aller un petit peu plus dans l'urgence. Ce qui n'est pas désagréable non plus. On va à l'efficacité. On a répété une journée et on a enregistré en deux jours, dans les conditions du live, tous ensemble dans le studio, à l'ancienne.

Enregistrer à New York, c'est inspirant ?

Quoi qu'on en dise, New York demeure la Mecque du jazz. Et puis j'adore cette ville pour son architecture, son énergie, avec les coursiers le matin, le bruit... Et même si l'album est assez zen, je trouvais bien de me nourrir de cette énergie parfois agressive, au sens positif du terme, pour ensuite se retrouver dans un îlot ouaté et de jouer une musique assez zen, plénitude. Le prochain album, on ira peut-être l'enregistrer au Caire, une mégalopole bouillonnante que l'on présente souvent comme le "New York du Proche-Orient".

Dans votre quintet, on retrouve deux musiciens polonais et deux musiciens norvégiens. Fâché avec les jazzmen américains ?

Evidemment, j'adorerais jouer avec Branford Marsalis ou d'autres. Mais je me sens plus d'affinités avec les Européens. En fait, j'ai l'impression que le jazz européen a vraiment pris le pas sur le jazz américain. Il fut une époque où on était vraiment très complexé. Si on n'était pas noir américain né à New York, c'était une catastrophe. Ce n'est plus le cas aujourd'hui. La musique instrumentale européenne se construit par le mélange du jazz avec sa liberté d'improvisation mais aussi avec l'influence de la musique classique. Bien plus que dans le jazz américain. Et c'est une force.

"Je ne me revendique pas comme un jazzman"

Vous avez une éducation musicale classique. A quand remonte la rencontre avec le jazz ?

Cette musique a été omniprésente durant toute mon enfance. De huit à douze ans. A la maison, mon beau-père écoutait beaucoup de be-bop. A l'époque, je m'entraînais à la batterie dans la cave de mes grands parents en écoutant les disques de Dizzy Gillepsie, Bird ou du regretté Art Blakey...

Vous vous considérez comme un jazzman ?

En fait j'ai du mal à utiliser le mot "jazz" pour décrire ma musique... Dans ce milieu, on trouve beaucoup de puristes, des "intellectuels de la chose" très sourcilleux quant à l'utilisation du mot "jazz". Pour eux, "Manu Katché ne saurait être un jazzman". Et c'est vrai. Je ne me revendique pas comme un jazzman. A mon petit niveau, je fais de la musique instrumentale, à connotation jazz. Le problème avec les puristes, c'est qu'ils refusent souvent de voir cette musique s'enrichir d'autres influences et d'autres univers. Au risque de la scléroser et d'en faire une musique "musée".

On vous retrouvera à la télé dans le jury de La Nouvelle Star ?

Non c'est fini. Pour de bon. J'ai fait quatre saisons, je me suis bien amusé, ça m'a apporté beaucoup et je n'ai pas l'impression d'avoir vendu mon âme. Mais cette année, j'avais envie de concentrer sur la tournée. En revanche, je continue One Shot Not sur Arte, qui passe en mensuel en janvier 2008. Je fais encore un peu de télé, mais différemment, moins grand public, plus axée sur mes goûts personnels... On retrouvera Annie Lennox, Ben Harper, Craig Armstrong, Jamie Cullum et Peter Gabriel.

Votre album s'appelle Playground, soit terrain de jeu... c'est un clin d'oeil au terrain vague de votre enfance ?

Je n'y avais pas pensé, mais c'est vrai que môme, j'ai passé beaucoup de temps à jouer sur un terrain vague près de chez mes grands-parents. Pour la petite histoire, c'est sur ce même terrain que fut construit le conservatoire où j'ai commencé mes études de musique. Sans doute un signe du destin...

CD. Playground (ECM/Universal)
En concert le 8 octobre. Théâtre des Champs-Elysées.

Propos recueillis par Eric MANDEL/ leJDD.fr

Rachel Z, fresh from Peter Gabriel tour, leads a trio

Music Preview: Rachel Z, fresh from Peter Gabriel tour, leads a trio

Back in 1999, Rachel Z was a relative unknown when she performed with her eight-piece band at Washington, D.C.'s Kennedy Center as part of the Mary Lou Williams Women in Jazz Festival. Since then, she has forged a career as a teacher, developed music for her various-sized groups and spent the past three years as the keyboardist for the innovative rocker Peter Gabriel.

"Working with Peter was incredible," said Z, speaking aboard a train en route to Philadelphia from New York. "He's a creative force and it was incredibly fun to work with him." With Gabriel, Z performed before crowds as large as 30,000. Another time the group traveled to South Africa for a benefit honoring former President Nelson Mandela. "Oprah was there and we had dinner with Mandela," she continued. "We performed a song called 'Biko' that Peter had written for Stephen Biko. It was awesome."

Now, the primary focus is her trio, which she'll feature Saturday night at Gullifty's. Showcasing music from her latest release, "Dept. of Good and Evil," the concert will also feature bassist Maeve Royce and drummer Bobbie Rae. "We are really excited about this project," said Z. "We have been developing this concept that mixes rock and pop with jazz." Z has been bridging genres for some time, and "Dept. of Good and Evil" continues along that path.

In addition to some vibrant piano playing, the recording is filled with wonderfully orchestrated and eclectic arrangements, and Z has Rae to thank for that. "Bobbie Rae is the visionary," said Z. "He can pick out some of the hippest stuff out there."

The album opens with a breezy "Soul Meets Body" before giving way to a harmonically rich "Milky Way." A nod to Sting's "King of Pain" is followed by Joe Henderson's "Inner Urge," which finds the pianist referencing some of her influences, musicians like Herbie Hancock, McCoy Tyner and the late Kenny Kirkland.

"I always have to tip my hat to McCoy, Chick Corea and people like Kenny because they were a major influence on me," said Z. The recording also reexamines Bill Withers' "Ain't No Sunshine," and Wayne Shorter's "ESP" is a tour de force. "I'm really into developing my trio," said Z. "I told Peter that I am through with sideman gigs, and he announced my new CD on his Web site. I want this trio to be a force, and we want to introduce this music to a young audience."

Dept of Good and Evil

Pianist Rachel Z revisits her successful deconstruction of (largely) contemporary tunes on Everlasting (Tone Center, 2004) with Dept of Good and Evil. This time, however, the trio’s more collaborative nature has compelled Z to release the music under a collective group name, Dept of Good and Evil.

There’s a stronger balance struck between contemporary material, original material written by Z (alone or in collaboration with drummer/producer Bobbie Rae) and material from the repertoires of saxophonists Wayne Shorter and Joe Henderson. Recorded after a 2006 100-date tour, Dept of Good and Evil is an unequivocally mainstream jazz record, despite where it finds its material.

Once again Z lays waste to the claim that contemporary pop songs lack substance by covering material from well-known groups including The Police (“King of Pain”) and Joy Division (“Love Will Tear Us Apart) as well as lesser-known indie bands Death Cab For Cutie (“Soul Meets Body”) and Yeah Yeah Yeah (“Milky Way”). Even ‘80s neo-psychedelic rockers The Church (“Maps”) are covered, making Dept of Good and Evil an album that reveals the breadth of the trio’s musical interests, something that will come as no surprise given Z’s work with artists as seemingly disparate as Shorter, Marc Antoine and Peter Gabriel.

Those who don’t know the material will be hard-pressed to draw any direct connections to its pop sources. Z is rooted in the darker and more abstract harmonic approach of both Shorter and pianist Herbie Hancock, going so far as to call herself the “evil” of the group’s title, while the perpetually in-the-pocket Rae and Royce are the “good.” The trio swings hard on “Soul Meets Body” and adopts a lighter, brush-driven stance on “Milky Way.” The group’s modal take on “Love Will Tear Us Apart,” one of five tracks to also feature guest trumpeter Erik Naslund, buries the familiar melody in so radical a harmonization that it’s nearly unrecognizable. “King of Pain” is a little more familiar, though it’s not after a stunning piano/trumpet intro that its theme first becomes crystal clear.

Two of the three original tunes feature vocals by Z and Rae and they’re the weak points of the record, despite both having fine enough voices. The problem is that, amidst an album of fairly hard blowing and group interplay, “Moon and Sun” and “Walking on Water” feel lightweight and too obviously aimed at airplay.

Short but intensely burning takes of Henderson’s “Inner Urge” and Shorter’s “ESP” are notable in how their own memorable melodies fit contextually with the rest of the material. Proof that modern pop/rock can provide plenty of grist for the improvising musician, Dept of Good and Evil is, despite its two vocal missteps, even more successful than Everlasting in its meshing of contemporary song with equally contemporary swing.